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domingo, 30 de diciembre de 2012

Las miserias de la vida en clave musical


La célebre novela de Víctor Hugo Los miserables, publicada en 1862, fue convertida en un exitoso musical en 1980 y ahora Tom Hooper, el director de El discurso del rey, nos ofrece la adaptación a la gran pantalla de ese espectáculo que ha cautivado a millones de espectadores en los escenarios a lo largo de todo el mundo.

Dos horas y media de actores cantando puede parecer una opción poco atractiva, en principio, para ir al cine, pero realmente la fuerza de la música y las interpretaciones de los numerosos rostros conocidos que componen el elenco, hacen que tan dilatado metraje no se haga largo. Además esta versión de Los miserables cuenta con un diseño de producción de primera línea. Se ve que no han reparado en gastos. El director no siempre saca todo el jugo posible a la rica escenografía de que dispone, pero cuando lo hace consigue unas imágenes de enorme fuerza visual, especialmente en la escena inicial. Y por supuesto también hay que destacar el magnífico trabajo de vestuario que, por cierto, es mérito del diseñador español Paco Delgado.

El contenido de la obra es muy interesante. Temas universales como la redención, el amor, la caridad o las injusticias sociales, se entrelazan a lo largo de la trama y de las circunstancias particulares de los distintos personajes. Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohen o Helena Bonham-Carter dan vida a estos indivíduos que pululan por la pantalla sufriendo los avatares y vicisitudes de sus miserables vidas. Personajes sumidos en la incertidumbre y la desesperación que se ven abocados al latrocinio, la prostitución o la estafa, en una sociedad deshumanizada, injusta y hostil. El marco es muy sórdido, pero mostrado en clave musical resulta menos desgarrador de lo que es. Además el mensaje que lanza es de esperanza, por lo que la obra en sí es dura pero reconfortante y positiva.

Por tanto, Los miserables es una buena película con buena historia, buenos actores, una excelente ambientación y una emocionante partitura musical.


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miércoles, 26 de diciembre de 2012

La vida es videojuego


La vida de alguien que lleva muchos años haciendo lo mismo, que además se trata de un trabajo nada reconocido y poco gratificante, es algo con lo que mucha gente se puede identificar. Esta es la historia que nos ofrece Disney Animation Studios en su última producción ¡Rompe Ralph! Tras la estupenda Enredados, Disney vuelve a triunfar en el campo de la animación 3D con esta nueva cinta ambientada en el universo paralelo que suponen las parrillas de videojuegos en una sala recreativa. El protagonista, Ralph, es el malo de uno de estos juegos de la década de los 80, que tras llevar 30 años haciendo lo mismo y siendo ninguneado por los demás personajes, decide que necesita cambiar de vida y ser el bueno, al menos una vez, para recibir los laureles y el beneplácito de quienes le rodean. Para ello se escapa de su máquina y se va conseguir una medalla de héroe en un violento juego de última generación. Sin embargo su afán de cambio puede afectar a su propio universo y a quienes en él habitan.

Una película entrañable, divertida y trepidante, llena de guiños a los videojuegos de ayer y de hoy, pero especialmente a los de antaño. Un film con mensaje positivo interesante para todos públicos, enfocado con un tono adecuado para niños y un trasfondo con el que se pueden identificar los adultos. Un universo atractivo para los aficionados a los videojuegos, pero con una trama universal que engancha a cualquier tipo de espectador. Y todo ello servido por un despliegue de imaginación impresionante y una muy depurada técnica CGI, es decir, animación 3D por ordenador, campo que normalmente domina más Pixar, pero concretamente este año comparando los estrenos de ambas firmas, ¡Rompe Ralph! y Brave, respectivamente, considero que ha salido ganando Disney. Técnicamente están a la par, pero como película en general es más redonda la del bueno de Ralph, que por otra parte bebe mucho de la influencia de Dreamworks en cuanto al trazado del personaje se refiere, y es que recuerda, tanto en lo físico como en lo psíquico, al gran ogro verde Shrek: bruto, grandote, y bonachón, al que todos discriminan pero tiene buen corazón.

En definitiva ¡Rompe Ralph! es la película de estas Navidades para disfrutar en familia, pero además es una gran película, con un original argumento, una enorme creatividad y las dosis adecuadas de emotividad, humor, y acción.

Artículo relacionado: Un día para la nostalgia


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sábado, 22 de diciembre de 2012

Feliz Navidad


Aquí está el vídeo navideño de Galax Pictures para este año. Os deseo a todos FELIZ NAVIDAD.


lunes, 17 de diciembre de 2012

Un día para la nostalgia



El pasado sábado 15 de diciembre tuvo lugar el Community Day navideño de Sensacine, en que tuvimos el privilegio de ver ¡Rompe Ralph!, la nueva producción Disney que llegará a las pantallas el próximo día 25. De ella hablaré en otro post, pero anticipo que es impresionante.

Lo que ahora nos ocupa es el cuarto Comunnity Day de Sensacine. El primero fue en verano de 2011 con Paul, luego en diciembre The Artist, este pasado verano Prometheus y ahora le ha tocado al mundo de los videojuegos con ¡Rompe Ralph! Tras la proyección de la película contamos con una mesa redonda en la que los especialistas en videojuegos de la revista Hobby Consolas, desgranaron la ingente cantidad de referencias y guiños que el film hace a los videojuegos de todas las épocas, pero especialmente a los de antes, a los pioneros de los años 80.

Es increíble la gran evolución técnica que han tenido las consolas y los gráficos de estos juegos en tan sólo tres décadas. Toda una industria que mueve grandes fortunas y millones de usuarios y fans en todo el mundo. La película ¡Rompe Ralph! trata del mundo de los videojuegos por dentro, como Tron y su secuela Tron: Legacy, con juegos que imitan a los existentes en la realidad pero diseñados especialmente para las películas. Otros títulos que trataban el tema, pero con la trama desarrollada en el mundo real, fueron Juegos de guerra, con Matthew Broderick encarnando a un avispado adolescente que se infiltra en la computadora central del Departamento de Defensa de los Estados Unidos. También en esa época hubo una película bastante olvidable pero con un argumento curioso: una máquina recreativa con un juego de "marcianitos" se trata en realidad de una herramienta de reclutamiento de seres de otra galaxia para fichar pilotos combate. La película se titulaba Starfighter: la aventura comienza.

A finales de los 80 y principios de los 90 en las salas recreativas aparecían numerosos videojuegos basados en las películas del momento: Robocop, Las tortugas Ninja ó Moonwalker son algunos ejemplos. Especialmente el caso de Moonwalker era curioso porque se trataba de un juego inspirado en la película musical homónima a mayor gloria de Michael Jackson, y la banda sonora del mismo estaba formada por algunos temas del Rey del Pop, como Bad ó Smooth Criminal, en versión instrumental y con sonido estéreo.

A estas alturas ya se ha generado una simbiosis entre cine y videojuegos de forma que no sólo éstos se nutren del celuloide sino que también el Séptimo Arte busca inspiración llevando a la gran pantalla a los personajes nacidos en las consolas. En 1993 se dio el primer paso con Super Mario Bros, encarnado por Bob Hoskins y con Dennis Hopper como villano. Una atractiva propuesta que no llegó a cuajar. Sin embargo el videoclip que mostraba imágenes de la película con la emotiva canción de Roxette Almost unreal, estaba bastante bien. A partir de ahí se han ido adaptando otros juegos dando lugar incluso, algunos de ellos, a sagas con varias entregas, como es el caso de Resident Evil, Street Figther ó Tomb Raider.

En fin, he aprovechado la ocasión para hacer un poco de retrospectiva sobre la vinculación entre el cine y los videojuegos como complemento a lo que se habló y debatió el otro día en el Comunity Day de Sensacine. Un divertido y entrañable día dedicado a la nostalgia de las salas recreativas.

domingo, 9 de diciembre de 2012

Historia de un naufragio


El director taiwanés Ang Lee, artífice de Tigre y Dragón, Hulk y Deseo peligro, nos presenta La vida de Pi, el fascinante viaje de un joven indio en busca de respuestas sobre la trascendencia del alma humana a través de las distintas religiones. Sus inquietudes espirituales se pondrán a prueba mediante una intensa experiencia de vida tras sobrevivir a un naufragio en medio del océano Pacífico.

Basada en la novela homónima de Yann Martel, la película ofrece un espectáculo visual de gran belleza plástica y poética, mérito alcanzado gracias al particular estilo de Ang Lee, que le confiere así al film una sólida identidad propia. El trabajo de producción es de primera línea así como el de los efectos visuales.

Sin embargo tiene dos puntos flacos que, desde mi punto de vista, impiden que la película sea redonda del todo. Por un lado creo que le sobra metraje en la parte central del relato, que se hace un poco larga de más. En segundo lugar pienso que le falta un ápice de intensidad dramática en determinados momentos que lo requieren para que la película toque la fibra del espectador. Quizá este detalle no sea imprescindible para calificar como redonda una película de otros géneros, pero en este caso entiendo que es un aspecto importante debido a las pretensiones del film y a las expectativas creadas.

En cuanto a los actores todos están correctos, si bien son desconocidos para el gran público. Cabe destacar como rostro conocido, en un papel muy secundario, a Gerard Depardieu. También muchos podrán reconocer en el rol de Pi cuando es adulto, al actor indio Irrfan Khan, que en la vibrante Slumdog millionaire interpretaba al inspector de policía que interroga al protagonista. Otro que nos puede sonar de verlo más recientemente es Rafe Spall, como el escritor que entrevista a Pi, y que este verano pasado lo vimos a bordo de la nave Prometheus encarnando al biólogo de la expedición.

En general La vida de Pi es una muy buena película que no dejará indiferente a nadie, al menos en lo que se refiere al aspecto visual. Ang Lee demuestra una gran capacidad para crear imágenes fascinantes que suponen un gran placer para la retina. Todo un espectáculo cinematográfico con trasfondo filosófico-religioso sobre la espiritualidad del ser humano.


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domingo, 2 de diciembre de 2012

Quiero la verdad



El esquema argumental basado en alguien que quiere descubrir y contar la verdad de algo sobre lo que las altas esferas han dado otra versión, ha sido muy utilizado por el cine hollywoodense dando como frutos infinidad de thrillers sobre conspiraciones y la lucha del individuo corriente contra los círculos del poder. Ejemplos en el cine reciente son Caza a la espía o Al límite. Ahora esta fórmula la aplica el director español Daniel Calparsoro en Invasor, su regreso a la dirección cinematográfica tras siete años de ausencia.

La película tiene como base la novela homónima de Fernando Marías y cuenta la historia de un médico militar español destacado en Irak, que vuelve a casa convertido en un héroe tras una experiencia traumática de la que él sabe que no todo lo contado en la versión oficial es cierto, y quiere encontrar la verdad de lo ocurrido.

Quizá lo más flojo de la cinta sea la dirección de actores, que resultan bastante convencionales. También en el tratamiento de algunos personajes secundarios se abusa de clichés bastante manidos en el género versión Hollywood, que no funcionan igual al trasladarlos al entorno español. Sin embargo la película goza de un ritmo narrativo trepidante y una puesta en escena que le da un aspecto visual muy potente a la cinta. La acción principal se desarrolla en La Coruña y saca buen partido de los exteriores que brinda la ciudad.

Produce la película el mismo equipo de Celda 211, aunque en este caso el resultado está un escalón por debajo de aquella. También repiten los actores Alberto Amman y Luis Zahera. Completan el reparto principal Inma Cuesta, Antonio de la Torre y Karra Elejalde.

En resumen estamos ante un buen thriller, resuelto con oficio, y dirigido con pulso y garra por parte del artífice de Salto al vacío y Guerreros. No llega a ser una película redonda del todo dentro del género pero sí ofrece un resultado bastante sólido.


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