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domingo, 29 de diciembre de 2013

Balance de 2013

Termina 2013 y toca hacer balance. Un año que ha sido bastante jugoso en lo que es la actividad general de Galax Pictures. Este es el resumen en orden cronológico de la producción audiovisual de este año:

1. Comienza el año con la edición para Cinemanet de la rueda de prensa de Robert Zemeckis y Denzel Wahington presentando la película El vuelo.
2. Le sigue el reportaje de la gala de premios del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC).
3. Continúan los premios con la cena / gala de Cinemanet.
4. En verano llega el plato fuerte de la producción de este año con el cortometraje Condenada soledad.
5. Un nuevo reto: un vídeo promocional para una nueva marca de juegos de mesa educativos: RAGORA JUEGOS.
6. Finalmente el vídeo navideño anual, como de costumbre.

Por otra parte el blog se ha saldado con un total de 53 entradas, de las cuales 35 corresponden a películas estrenadas en los cines españoles durante este año. De estos estrenos destaco como lo más relevante del año el siguiente top 10:

1. Gravity
2. La mejor oferta
3. Lincoln
4. 12 años de esclavitud
5. El cuarteto
6. Los Croods
7. Blue Jasmine
8. La vida secreta de Walter Mitty
9. Iron Man 3
10. Oz, un mundo de fantasía

Mención especial para las entidades con las que colaboro desde hace ya algunos años: Sensacine, Cinemanet y Muchocine.

Feliz Año Nuevo, y que 2014 nos traiga buen cine y otras satisfacciones a todos.

sábado, 21 de diciembre de 2013

Cuando los sueños se hacen realidad

Gracias a Sensacine por el último preestreno del año con La vida secreta de Walter Mitty, que se estrenará el próximo 25 de Diciembre.

Ben Stiller vuelve a hacer doblete detrás y delante de las cámaras en un remake de 1947 titulado La vida secreta de Walter Mitty (The secret life of Walter Mitty). El sujeto que da título a la película es un soñador que lleva una vida gris pero se ve a sí mismo como un gran aventurero, hasta que un día tiene la ocasión de dar el paso para vivir una aventura de verdad.

Posiblemente esta sea la mejor película de Ben Stiller como director. Comenzó en los 90 con Reality bites, que pretendía ser un retrato social de la llamada generación X, pero cuyo resultado final fue algo irregular, sin alcanzar las pretensiones iniciales. Luego se decantó por algo más delirante con Un loco a domicilio, con Jim Carrey de protagonista en la época en la que este cómico estaba en la cresta de la ola. De ahí pasó al desparrame total y el humor más grueso y absurdo con las cintas Zoolander y Tropic Thunder. Ahora se muestra más comedido y ha optado para Walter Mitty por un tono de comedia más elegante y sofisticada, con más sonrisas que carcajadas, con ecos del cine de Capra.

Stiller demuestra un hábil uso de la composición de la imagen sacando el máximo partido a la geometría de los paisajes tanto urbanos como naturales para crear imágenes estéticamente sugerentes y atractivas. Por otra parte también está a sus anchas en su faceta de actor como protagonista absoluto. Le acompañan en el reparto Kristen Wiig, la protagonista de La boda de mi mejor amiga, la gran Shirley McClaine, y la participación estelar de Sean Penn.

Lo único que le falta a la película para ser redonda es algo más de hondura dramática a los personajes en general para causar mayor emoción en aquellos momentos que realmente emocionan, pero lo hacen de una manera muy somera. Le falta ahí un punto de vibración, pero por lo demás el film es muy positivo, optimista, vitalista y además goza de unas localizaciones exteriores que son un regalo para la retina. Quien en estas fechas quiera pasar una tarde en el cine y salir de la sala con sensación de buen rollo y una sonrisa en los labios, esta es su película.


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lunes, 16 de diciembre de 2013

Los dos maestros de la acción

Durante años los fans de Stallone y Schwarzenegger esperaron ansiosos verlos juntos en pantalla. El gran encuentro se produjo con un cameo de Arnold en Los Mercenarios, papel al que le dieron un poco más de cancha en Los Mercenarios 2. Lógicamente en una reunión de veteranos de la acción parecía inevitable la presencia de ambos. Sin embargo aun faltaba una película de los dos colegas como protagonistas. Pues aquí la tenemos: Plan de escape. Sly interpreta a Ray Bresling, un experto en seguridad penitenciaria que se encarga de poner a prueba las cárceles de todo el país. Su trabajo consiste en ingresar como prisionero e intentar fugarse, objetivo que casi siempre consigue, para evaluar así los puntos débiles de las prisiones. Un día una abogada de la CIA les propone a él y a sus socios poner a prueba una nueva cárcel privada de alta tecnología, diseñada a prueba de fugas. Un gran reto para el protagonista. Allí dentro entablará amistad con Rottmeyer, interpretado por Arnold, un enigmático convicto que hace muchas preguntas y da pocas respuestas.

Les acompañan en esta aventura Jim Caviezel, como malvado alcaide, Sam Neill, en el rol del médico de la prisión, y Vincent D'Onofrio encarnado al socio de Stallone en el negocio de la seguridad. Dirige Mikael Hafström, el director sueco artífice de interesante Shanghai. Si bien ésta resultaba nostálgica en relación a los clásicos como Casablanca, en Plan de escape hace también un ejercicio de añoranza por los clásicos de acción de los años 80. La película funciona muy bien al principio y al final, dejando una caída de ritmo en medio, que no le perjudica demasiado al resultado global pero tampoco pasa inadvertida. Con todas y con esas resulta una película muy entretenida con Stallone y Schwarzenegger repartiendo estopa a diestro y siniestro. Interesante visualmente el aspecto de las explicaciones sobre las estrategias que cuenta Stallone cuando está perpetrando un plan de fuga.

En definitiva se trata de una peli de acción hecha al estilo de los 80 con los dos máximos representantes de este tipo de cine en aquella época demostrando que aun están en forma.

Artículo relacionado: Dos duros entre rejas


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domingo, 8 de diciembre de 2013

Un hombre libre llamado Solomon Northup

En años anteriores Sensacine nos ha obsequiado por estas fechas con preestrenos de altura como The artist o Rompe Ralph en su Community Day navideño. Este año han vuelto a cumplir con creces. La película ha sido 12 años de esclavitud.

El director Steve McQueen, artífice de Shame, ha vuelto a contar con Michael Fassbender, aunque esta vez en un papel algo más secundario, para meterse de lleno en 12 años de esclavitud (12 years a slave), la espeluznante historia de Solomon Northup, un hombre libre de Nueva York que fue secuestrado y vendido como esclavo para trabajar en las plantaciones de algodón de Georgia.

La película es un relato duro, crudo y algo descarnado de las atrocidades que el ser humano puede llegar a cometer amparándose en la ley vigente. En esta línea ofrece una interesante reflexión en torno a la prevalencia de los principios morales universales sobre las leyes temporales y cambiantes que favorecen a unos en perjuicio de otros. Otra idea interesante que pone sobre la mesa el film es la de la diferencia entre vivir y sobrevivir. No es lo mismo asumir todos los males y hacer lo imprescindible por la supervivencia que luchar contra la injusticia y querer llevar una vida plena y digna.

Protagoniza con gran fuerza y convicción Chiwetel Ejiofor, visto en roles secundarios en títulos tan dispares como Love Actually, American gangster o 2012. En 12 años de esclavitud lleva el peso protagonista y lo hace muy bien, tanto que no sería de extrañar que le dieran el Oscar, o al menos la nominación creo que la tendrá. Le acompañan, además del ya citado Fassbender, Paul Dano, el chico traumatizado de Prisioneros, Benedict Cumberbatch, el villano de Star Trek: en la oscuridad, y en papeles más secundarios Brad Pitt y Paul Giamatti.

El film tiene ecos de La hora 25, protagonizada por Anthony Quinn, en la que un honrado labrador rumano es denunciado como judío ante los nazis por un agente de la ley encaprichado con la esposa del campesino, de forma que éste acaba en un campo de trabajos forzados, en el que a pesar de repetir una y otra vez que él no es judío, que está ahí por error, nadie quiere hacerle caso, e incluso se ensañan con él porque no quieren escuchar cualquier cosa que les complique la vida, lo mismo que le ocurre a Solomon cuando repite una y otra vez que él no es un esclavo sino un hombre libre.

Por otra parte cabe destacar la sensacional partitura de Hans Zimmer que suena durante el metraje, así como una correcta y cuidada fotografía para retratar la época. Tan solo alguna caída de ritmo puntual, y algunas concesiones a prolongar gratuitamente escenas de extrema violencia pueden empañar parcialmente el resultado global, que no obstante es de alto nivel.

Los carteles la anuncian como favorita a los Oscar. Personalmente creo que la película del año es Gravity, pero está claro que 12 años de esclavitud se encuentra entre los grandes títulos estrenados en este año 2013 que está a punto de terminar.


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sábado, 30 de noviembre de 2013

Perseguidos por su pasado

Una ex-activista de un antiguo grupo pacifista, se entrega a las autoridades acusada de asesinato, después de treinta años viviendo en el anonimato, escapando de la justicia. Esta noticia hace que un joven y ambicioso periodista de un diario local investigue el por qué de esta decisión. Al remover el pasado muchas personas, que habían dejado atrás su vida militante, se verán salpicados de una forma u otra por un asunto que continuaba abierto desde hacía tres décadas.

Es el argumento de Pacto de silencio (The company you keep), la nueva película del septuagenario actor y director Robert Redford, que si bien su filmografía tras la cámara no ha sido tan prolífica como la de su también incombustible coetáneo Woody Allen, igualmente demuestra una maestría y un buen hacer del oficio cinematográfico dignos de mención, como fruto de su talento y veteranía en la industria. Sin llegar a ser tan redonda como la estupenda Leones por corderos, Pacto de silencio es un sólido thriller de corte político y periodístico que aborda el tema sobre las consecuencias de los errores del pasado, así como el debate de hasta dónde las acciones se pueden justificar como moralmente correctas o no en función de parámetros subjetivos como los lazos de amistad, el compromiso y la defensa de causas ideológicas.

A Robert Redford lo secundan un buen elenco de veteranos como Susan Sarandon, Julie Christie, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Richard Jenkins, Sam Elliot y Nick Nolte. En un segundo escalón de veteranía encontramos a Stanley Tucci y Terrence Howard, visto hace poco en Prisioneros. Finalmente entre los más jóvenes destacan Shia LaBeouf, el chico de la saga Transformers, Anna Kendrick, de la saga Crepúsculo, y Brit Marling, vista el año pasado en El fraude, junto a Richard Gere.

El resultado final de Pacto de silencio es un solvente thriller de estilo clásico, con alguna leve caída de ritmo, pero con una buena historia y un sólido elenco de actores.


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domingo, 24 de noviembre de 2013

Retrato de una mujer que lo ha perdido todo

Podcast (versión audio de este artículo):
El incombustible Woody Allen mantiene, a sus 77 años, su cita anual con la cartelera. Este año la película es Blue Jasmine, la historia de una mujer casada con un hombre de negocios que vive a todo tren en Nueva York hasta que ese mundo de glamour y lujo se va a pique, ya que los asuntos financieros de su marido no son realmente limpios. Es entonces cuando Jasmine se traslada a San Francisco a casa de su hermana, que es el polo opuesto a ella: la rebelde de la familia, el patito feo que sobrevive como puede tanto en lo profesional como en lo personal.

Allen compone un mosaico antropológico muy interesante sobre cómo el dinero y el poder influyen en las relaciones personales de la gente estableciendo diferencias sociales, incluso dentro de la propia familia. El tono del film es de tragicomedia. El humor oxigena el drama vivido, de forma que el resultado final tiene un tono dramático pero ligero, más cercano al de Delitos y faltas que al de sus desgarradas tragedias Match Point y El sueño de Cassandra.

Cate Blanchet protagoniza la película con gran carisma, fuerza y presencia. Ella es al personaje de Jasmine lo que fue en su momento Diane Keaton para Annie Hall. Blanchet ganó el Oscar a Mejor Actriz Secundaria por El aviador; quizá con Blue Jasmine podría optar al de Mejor Actriz Principal, porque la verdad es que está espléndida. Un trabajo impecable de esta actriz australiana, capaz de combinar personajes ricos en matices como el de Jasmine, o el de Daisy en El curioso caso de Benjamin Button, con otros del cine más aventurero haciendo unas veces de heroína, como en Robin Hood, y en otras ocasiones de villana, como en Hanna o en Indiana Jones y el reino de la Calavera de Cristal.

Aunque Cate sea la estrella, el resto del elenco no desmerece en absoluto. Todos trabajan bien. Completan el reparto Alec Baldwin, Sally Hawkins y Bobby Cannavale. Me ha hecho gracia la presencia en un papel secundario de Andrew Dice Clay, el protagonista de una rareza de 1990 titulada Las aventuras de Ford Fairlane, un desparrame del director Renny Harlin, cuyo protagonista era apodado "el detective rock and rollero".

En definitiva, con Blue Jasmine Woody Allen nos brinda este año una gran película con una gran actriz al frente del elenco. Totalmente recomendable.


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domingo, 17 de noviembre de 2013

Delincuentes bajo cero

Gracias a Sensacine por el preestreno de La huida.

El director austriaco Stefan Ruzowizky, artífice de Los falsificadores, nos trae a las pantallas La huida (Deadfall), un thriller cuyo marco de acción es una zona rural de Estados Unidos, cerca de la frontera con Canadá, en un hostil paraje nevado con ecos de títulos como por ejemplo Operación Reno, de John Frankenheimer, o Fargo, de Joel y Ethan Cohen. En este caso se trata de dos hermanos que han atracado un casino y tras perderse en este paisaje helado intentan cruzar la frontera para huir del país con el botín. En su camino se cruza un ex boxeador que acaba de salir de la cárcel y va a visitar a sus padres en el día de Acción de Gracias.

El elenco de actores goza de varios rostros conocidos encabezado por Eric Bana, muy convincente en su papel de matón, y en roles secundarios se cuenta con el buen hacer de los veteranos Treat Williams, Kris Kristofferson y una entrañable Sissy Spacek. Les acompañan los jóvenes actores Olivia Wilde, vista en Tron: Legacy, Kate Mara y Charlie Hunnam.

La realización es técnicamente correcta, aunque se echa en falta un poco de tensión en determinados momentos. El resultado final se ve lastrado por un guión con una trama poco original, pero bien estructurada, cuya mayor debilidad son unos diálogos que abundan excesivamente en los tópicos y clichés del género.

Queda por tanto un mero thriller que se deja ver pero que no aporta nada al género y le falta garra, resultando así algo descafeinado. No obstante los paisajes y los actores hacen que valga la pena el visionado del film.


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lunes, 11 de noviembre de 2013

Temporada de esquí

El Institut Français de Madrid, dentro de su programa cultural, presentó la semana pasada en primicia la película Sister, que se estrenará el próximo 15 de noviembre en salas comerciales. Gracias a Cinemanet tuve la oportunidad de ir a este preestreno.

En una estación de esquí en Suiza, un niño de 12 años llamado Simon se dedica a robar material de deportes de invierno a unos para revenderlo a otros. Se trata de un niño que vive con su hermana mayor, una joven emocionalmente inestable, de manera que el menor es quien demuestra mayor grado de madurez para salir adelante, aunque sea al margen de la ley.

Este es planteamiento de Sister (L'enfant d'en haut), una producción franco-suiza dirigida por Ursula Meier, que pone de relieve la dureza de una infancia truncada por un hogar roto, caótico, con serias carencias afectivas, en un país del Primer Mundo. Se ve así cómo la ausencia de valores familiares en las sociedades avanzadas de hoy día, pueden acarrear problemas como la maternidad no deseada, la falta de ilusión, la vida a la deriva, sin rumbo, sin aspiraciones, sin referentes. Este marco es el que lleva al protagonista a ganarse la vida de un modo moralmente reprobable, a pesar de que en su fuero interno no haya mala intención para delinquir sino el mero instinto de supervivencia.

En cuanto a valores cinematográficos la película destaca por las magníficas localizaciones y unas sobresalientes interpretaciones de sus dos actores principales, especialmente la del niño. En contra el film adolece de un ritmo irregular y una cierta ambigüedad de intenciones en el desenlace de la película. Deja cierta sensación de no saber exactamente qué nos quiere contar su autora.

En definitiva estamos ante un potente drama social cuyo planteamiento es bueno, pero su resolución es discutible, y que en cualquier caso se trata de una producción de bajo presupuesto bien aprovechado. Recursos escasos de los que su directora sabe sacar el máximo partido tanto en el apartado técnico como artístico, con una estupenda dirección de actores.


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domingo, 3 de noviembre de 2013

El cine da mucho juego

Hace poco publicaba la reseña de El camino de vuelta. En esta película hay una escena en que la pareja protagonista pretende crear ambiente familiar con sus respectivos hijos de matrimonios anteriores, jugando a un juego de mesa llamado Candy Land. No es la primera vez que se utilizan los juegos de tablero como icono para retratar lazos de unión familiares. El gran clásico de todos los juegos, el Ajedrez, ha servido para mostrar en pantalla escenas de relaciones entre padre e hijo en películas como El guardaespaldas, con Kevin Costner y Ralph Waite haciendo de hijo y padre respectivamente, o Independence Day, con Jeff Goldblum y Judd Hirsch.

El Ajedrez ha dado mucho juego en el cine. Por ejemplo, En busca de Bobby Fisher, un melodrama sobre un niño al que se le da de miedo el Ajedrez y lo comparan con el legendario jugador que da título al film. Por otra parte el mundo de los campeones de Ajedrez también ha servido para el thriller con Jaque al asesino, una cinta de suspense en la que un campeón de Ajedrez se ve envuelto en la turbia trama de un asesino en serie. Dirige el cineasta suizo Carl Schenkel a un elenco de actores encabezado por Christopher Lambert, Diane Lane y Tom Skerrit. La película sigue la corriente del cine de psicópatas que se puso de moda en los años 90 a raíz del éxito demoledor de El silencio de los corderos.
Otro aspecto interesante es el de hacer películas basadas en juegos de mesa. Hasta hace poco se leía en los medios que Ridley Scott tenía como proyecto una adaptación del Monopoly a la gran pantalla. Parece que de momento se ha quedado estancado, pero quien sabe si más adelante podrá retomarse. La que sí llegó a buen puerto en su momento fue la película basada en el famoso juego Cluedo, de descubrir "quién es el asesino", muy de moda en los años 80, y que dio para el cine la película El juego de la sospecha, de 1985, en clave de comedia de misterio con un tono cercano a Un cadáver a los postres, de 1976. El juego de la sospecha fue el debut en la dirección de Jonathan Lynn, que más tarde lograría títulos de cierta repercusión como Mi primo Vinny o Falsas apariencias. El reparto estaba formado por actores habituales de la época como Tim Curry, Eileen Brennan, Madeline Kahn o Christopher Lloyd, entre otros.

Y para finalizar tenemos la película en la que un juego de mesa es el protagonista: Jumanji. Basada en un cuento infantil de Chris Van Allsburg cuenta cómo dos niños juegan al Jumanji, un juego mágico en el que encuentran a un tipo que lleva varios años encerrado en el juego. La película está dirigida por Joe Johnston, artífice de Rocketeer, y protagonizada por Robin Williams en un papel histriónico hecho a su medida. También podemos ver a Kirsten Dunst de niña, antes de convertirse en la novia de Spiderman con la saga de Sam Raimi sobre el arácnido superhéroe de Marvel. Jumanji es una delirante y divertida película de aventuras, con un tablero mágico y un montón de animales salvajes generados por ordenador correteando por doquier.

domingo, 27 de octubre de 2013

Desesperada búsqueda contrarreloj

El director canadiense Denis Villeneuve, que llamó la atención internacionalmente, tanto a nivel de crítica como de público con su tenso thriller Incendies, una coproducción franco-canadiense, vuelve ahora con el mismo género y estilo en una producción totalmente hollywoodense: Prisioneros. Esta vez el resultado es aun más redondo que el del film anterior, con una atmósfera tensa desde el primer fotograma hasta el último, y dos grandes interpretaciones de Hugh Jackman y Jake Gyllenhal. Les secundan estupendamente Terrence Howard, el compañero de Robert Downey Jr en Iron Man, Viola Davis, nominada al Oscar por Criadas y señoras, y Paul Dano, visto el año pasado en Looper. Completan el reparto Maria Bello y Melissa Leo.

La trama es sencilla: en un pequeño pueblo estadounidense dos matrimonios vecinos se reúnen para celebrar el día de Acción de Gracias. Durante la jornada las hijas menores de ambas familias desaparecen mientras juegan en la calle. Todos los indicios apuntan a un chico introvertido con problemas psicológicos, pero no hay pruebas concluyentes de su culpabilidad y las dos niñas continúan en paradero desconocido. Comienza entonces una angustiosa y desesperada búsqueda contrarreloj para encontrarlas antes de que sea demasiado tarde.

El ritmo narrativo es cautivador y la ambientación está muy conseguida gracias a una magnífica fotografía en tonos fríos y una inquietante partitura musical, empleada adecuadamente para subrayar los momentos que lo requieren. Pero lo que realmente hace estar a este thriller por encima de la media es un guión sin agujeros, que deja todos los cabos atados, y además ofrece un sólido trazado de personajes. Se pueden ver así las distintas reacciones de los padres ante el secuestro de sus hijos. En cada matrimonio hay uno más fuerte y otro más débil. En un caso es el hombre el fuerte y la mujer la débil mientras en la otra pareja ocurre lo contrario. Hay quien a pesar del dolor se resigna ante la tragedia, y hay quien es capaz incluso de tomarse la justicia por su mano con tal de encontrar a su hija. Por tanto podemos encontrar todo un abanico de reacciones y relaciones humanas en una situación límite, sin olvidar al policía que se encarga de la investigación con el cual también se establece una tensa relación.

Unos personajes de gran calado dramático estupendamente encarnados por los actores que los interpretan. Jackman y Howard son los padres de las víctimas, Bello y Davis las madres, Gyllenhal es el policía, Dano es el chico problemático y Leo hace de pariente de este personaje.

Suspense a la antigua usanza, sin efectismos, tan solo un guión sólido con una trama bien urdida, buenos actores y una dirección con garra. Una película totalmente recomendable.


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lunes, 21 de octubre de 2013

Verano indie

Gracias a Sensacine por el agradable rato que supuso el preestreno de El camino de vuelta, que se estrenará el próximo 25 de Octubre.

Se habla mucho de la "fórmulas" para hacer películas como churros en el caso de las superproducciones de los grandes estudios. Sin embargo en los últimos años el llamado "cine independiente", o cine indie, llamado así por no depender de las majors, caracterizadas por ser películas de bajo presupuesto y una supuesta mayor libertad creativa, también ha desarrollado sus propias fórmulas. La que hoy nos atañe es aquella que consiste en hacer una tragicomedia de tono agridulce, con un tratamiento realista de la ambientación y una galería de personajes un tanto estrafalarios, para poner de relieve conflictos humanos en relaciones de amistad y familiares. Normalmente estas producciones cuentan además con algún que otro rostro conocido que ha rebajado su caché para participar en el proyecto, y suelen ser actores que alternan blockbusters con películas indie.

En esta línea han tenido gran repercusión en la taquilla internacional títulos como Entre copas, Juno o Pequeña Miss Sunshine. Siguiendo esta estela los actores Nat Faxon y Jim Rash escriben el guión y se ponen detrás de la cámara para debutar en la dirección con El camino de vuelta (The way, way back), en la que cuentan las peripecias veraniegas de un adolescente retraído que debe pasar las vacaciones con su madre, el nuevo novio de ésta y la hija adolescente de éste, acompañados de varios vecinos. Todos estos adultos forman una panda de hippies trasnochados cuyos hijos tienen los traumas propios de los hogares desestructurados.

El adolescente protagonista encuentra una vía de escape en la compañía de otra chica de su edad con problemas similares y la amistad del excéntrico gerente de un parque acuático, interpretado magistralmente por el actor Sam Rockwell, que se convierte en la estrella de la función con diferencia sobre sus compañeros de reparto, aunque todos ellos están estupendos en sus respectivos roles, incluso los directores del film, que se han reservado sendos papeles secundarios. La amiga del protagonista la interpreta AnnaSophia Rob, la joven protagonista de Soul Surfer. También cabe destacar a Maya Rudolph, a la que vimos vestida de novia en La boda de mi mejor amiga, y a Toni Collette, la otrora protagonista de La boda de Muriel que aquí hace el papel de madre del protagonista, encarnado por el joven actor Liam James. Completan el reparto Steve Carell, Allison Janney y Amanda Peet.

El resultado de El camino de vuelta es una película interesante antropológicamente, por las relaciones humanas que retrata, que se presta al debate tras el visionado del film. Divertida, sencilla en cuanto puesta en escena, agradable de ver y con un ritmo narrativo correcto. Quizá al principio tarda un poco en arrancar pero pronto remonta el vuelo y al final deja buen sabor de boca.


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domingo, 13 de octubre de 2013

Tengo un caracol de carreras


Gracias a Sensacine por un rato agradable y divertido en el preestreno de Turbo, que llegará a la cartelera el próximo 18 de Octubre.

Tras la exitosa aventura prehistórica de Los Croods el pasado mes de marzo, la factoría Dreamworks vuelve a las pantallas con una nueva película de animación titulada Turbo. El argumento versa sobre un caracol de jardín que debido a un accidente adquiere superpoderes, como si de un bólido de carreras se tratara, lo cual le lleva a cumplir su sueño dorado: competir en las 500 millas de Indianápolis, cometido que consigue llevar a cabo con la ayuda de un chico mexicano.

La trama de un caracol con vocación de piloto de carreras suena tan delirante como la de una rata que quiere ser cocinero, tal como ocurría en Ratatouille, esa joya del Séptimo Arte perpetrada por Pixar. Sin embargo el trazado de personajes en el presente film es algo más superficial, y el desarrollo narrativo más convencional, por lo que a pesar de que el punto de partida se antoje muy original, y se consiga dar un grado de verosimilitud bastante aceptable a la disparatada propuesta, el resultado final es el de mero entretenimiento, eso sí, de primera línea, sin llegar a las cotas cinematográficas alcanzadas por Ratatouille.

Parece que últimamente las carreras de coches son fuente de inspiración para los animadores. Como muestra tenemos las dos entregas de Cars y el videojuego automovilístico en que se centraba la acción de ¡Rompe Ralph!, en la que curiosamente el villano es tocayo de este caracol fugaz que ahora nos ocupa. Turbo es un película que encanta a los críos y divierte a los mayores. Es muy fresca, entretenida y vibrante en las secuencias de acción automovilística. Supone un prometedor debut para el director canadiense David Soren en el largometraje de animación. Anteriormente había dirigido dos cortos animados basados en la saga Madagascar.

Finalmente se puede concluir con que resulta un cocktail de referencias que van desde el cine de superhéroes al de competiciones deportivas con la clásica historia de fondo sobre un soñador incomprendido que acaba cumpliendo su sueño contra viento y marea.


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domingo, 6 de octubre de 2013

2013, un accidente en el espacio

El director mexicano Alfonso Cuarón, artífice de la versión modernizada del clásico de Dickens Grandes esperanzas, así como la tercera entrega del famoso niño mago, Harry Potter y el prisionero de Azcaban, y el relato futurista Hijos de los hombres, nos trae ahora la que posiblemente sea la mejor película del año: Gravity. Dos astronautas en una misión espacial sufren un accidente de forma que su nave queda inservible para volver a la Tierra.

Una película sobre la supervivencia, con una reflexión en torno a la superación de los traumas y seguir adelante, porque la vida sigue y hay que vivirla pase lo que pase. Dos únicos actores en pantalla: Sandra Bullock y George Clooney, ambos sensacionales, especialmente Bullock, que lleva todo el peso dramático de la gran aventura.

El ambiente fascinante de realismo espacial conseguido por este film se puede equiparar a lo que supuso en este aspecto en su momento 2001: Una Odisea del espacio. La película de Cuarón es visualmente innovadora, y esas maravillosas imágenes, que suponen un regalo para la retina, son acompañadas de una vibrante partitura de Steven Price que encaja perfectamente en el conjunto, así como un ajustado montaje de sonido que utiliza los silencios de forma magistral.

Gravity es un claro ejemplo de que para hacer una gran película no es necesario alargar el metraje. La película dura 90 minutos, la mejor hora y media cinematográfica del año. Mezcla hábilmente los momentos intensos, dramáticos y poéticos. Cada uno de estos elementos se dan en la dosis adecuada manteniendo un casi mágico equilibrio. Quizá sólo en algún instante dramático roza la línea del exceso, pero sin romper la armonía global del film.

Hacía tiempo que no salía del cine con la sensación de haber visto algo que pasará a la historia del Séptimo Arte. Y además tiene la ventaja de que es recomendable para cualquiera. Muchas películas, independientemente de que me gusten o no, me puedo atrever a recomendarlas a unos o a otros dependiendo de quien me pregunte por tal o cual película. Sin embargo en este caso sería capaz de recomendársela a todo el que me pregunte por ella. Precisamente cuando vi los trailers pensaba que a pesar de ser buena, por las críticas que se habían publicado, podría no gustar a todo el mundo porque parecía algo agobiante, y hay gente a la que no le gusta pasarlo mal en el cine, yo el primero. Sin embargo me encontré con la sorpresa de una obra maestra que en ningún momento se hace desagradable o asfixiante. Al contrario, el drama humano de trasfondo la hace optimista, con mensaje positivo incluido.

Gravity es espectacular, equilibrada, emocionante, poética e innovadora. ¿Qué más se puede pedir? Pues que le den varios Oscar.


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domingo, 29 de septiembre de 2013

Tiros y risas con ébano y marfil

Podcast (versión audio de este artículo):

Tras protagonizar el drama aéreo El vuelo bajo la dirección del veterano Robert Zemeckis, Denzel Washington vuelve al género de acción al que venía siendo asiduo en los últimos años con cintas como Asalto al tren Pelham 123 ó Imparable, por ejemplo. Y su vuelta tiene lugar junto al director Baltasar Kormákur, natural de Islandia, con el film 2 guns, es decir "Dos pistolas", aunque se ha estrenado en España con su título original. A Washington le acompaña Mark Wahlberg, al que tenemos todavía en cartelera con Dolor y dinero, y que ya trabajó con Kormákur en su anterior film: Contraband. Denzel interpreta a un agente de la DEA y Mark a un marine, ambos de incógnito en misión especial para atrapar a un narcotraficante mexicano.

Estamos ante un buddy movie, es decir, una peli de colegas, género que estuvo muy de moda en los años 80 y 90, con la característica de que los protagonistas son un negro y un blanco. En esta línea cabe recordar Límite 48 horas, de 1982, que supuso la revelación del novato Eddie Murphy acompañado del entonces ya conocido Nick Nolte. También la policiaca Apunta, dispara y corre reunió en la pantalla a Gregory Hines y Billy Crystal en 1986, justo un año antes de que se iniciara la saga que se convertiría en paradigma de las buddy movies interraciales: Arma letal, con Mel Gibson y Danny Glover. Ya en los 90 resultaron tener buena química en pantalla Woody Harrelson y Wesley Snipes, que protagonizaron Los blancos no la saben meter y Asalto al tren del dinero. Como antecedente setentero cabe destacar la unión de Gene Wilder y Richard Pryor en la comedia de intriga El expreso de Chicago. Ambos volvieron a la comedia policiaca a finales de los 80 con No me chilles que no te veo, en la que un sordo y un ciego son testigos a medias de un asesinato.

En 2 guns vuelve la fórmula de juntar a un negro y un blanco con buena química en la pantalla para disparar y contar chistes. Una vez más la fórmula funciona, de manera que Wahlberg y Washington se convierten en lo mejor de la película. Entre los secundarios podemos ver a un par de viejos conocidos: Bill Paxton, el protagonista de Twister, y Edward James Olmos, el otrora teniente Castillo de la serie ochentera Corrupción en Miami. La nota femenina la pone Paula Patton, que ya había trabajado con Denzel en Deja vù y la pudimos ver más recientemente junto a Tom Cruise en Mission:Imposible. Protocolo fantasma.

Tiros, chascarrillos y una trama de corrupción en torno a las agencias gubernamentales, son los ingredientes de esta entretenida peli de colegas ambientada en la zona fronteriza entre Estados Unidos y Mexico, con los cárteles de la droga como telón de fondo.


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domingo, 22 de septiembre de 2013

Cambiando el mundo en un garaje

Podcast (versión audio de este artículo):


La vida de un genio con luces y sombras, odiado y amado a partes iguales, resulta muy atractiva para convertirla en película, y encaja en casi todos los perfiles de los personajes históricos que han creado algo grande. Ahora le toca el turno al fundador de ordenadores Apple, el célebre y mediático Steve Jobs, encarnado con convicción por el actor Ashton Kutcher para la gran pantalla en el film titulado, simplemente, Jobs.

Al contrario que otros biopics de este año, como Lincoln o Hitchcock, en los que se retrata al personaje en cuestión durante un momento concreto de su vida, para la producción sobre el creador del ipod y el iMac, entre otras cosas, se ha recurrido al clásico esquema de película biográfica abarcando prácticamente todos los años de la vida del protagonista en los que se produjeron los mayores hitos de su carrera. Esta forma narrativa establece una curiosa paradoja: un film de corte convencional para retratar la trayectoria de un hombre inconformista que luchó por romper moldes en contra de todo convencionalismo. No es la primera vez que nos encontramos con curiosidades contradictorias de este tipo. Por ejemplo, en los años 90 Tim Burton estrenaba Ed Wood, posiblemente la mejor película de su filmografía. Una producción con estrellas como Johnny Depp o Bill Murray, dirigida por un autor de reconocido prestigio para contar la vida del que está considerado como el peor director de la historia, que hacía películas baratas con actores desconocidos, a excepción del famoso Bela Lugosi en sus últimos años de vida, cuando ya nadie se acordaba de su grandeza pasada.

Por otra parte el contarnos la gesta de una persona que ha influido notablemente en los hábitos actuales de la gente para el uso de la tecnología, nos trae ecos de La red social, el reciente biopic de David Fincher sobre Mark Zuckerberg, fundador de Facebook. Los perfiles de ambos personajes y sus relaciones con amigos y colaboradores, así como sus vidas privadas, tienen muchos puntos en común. Sin embargo mientras Fincher logró una más que notable película utilizando los conflictos personales de los protagonistas como eje principal del drama, en Jobs se ha primado el relato de la evolución de la empresa Apple, de forma que las disputas se muestran para contar la historia pero no para transmitir emociones. Tanto se centran en Apple que se ha obviado completamente la etapa de Jobs al frente de Pixar.

En definitiva, me ha gustado la película, es interesante el personaje de Steve Jobs y está muy bien ambientada en los años 70 y 80, tanto por música como por la fotografía. Es una película correcta pero quizá demasiado convencional en su tratamiento.


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domingo, 15 de septiembre de 2013

Vinieron del Este

Podcast (Versión audio de este artículo):
El pasado mes de Febrero el Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) presentó en primicia, durante su gala de premios anual, la película Kon-Tiki, que se estrenará en salas comerciales el próximo 27 de Septiembre.

Se trata de una producción noruega de 2012 que narra la expedición llevada a cabo por el biólogo Thor Heyerdahl en 1947 para demostrar que la Polinesia pudo ser poblada por migraciones llegadas desde Sudamérica en vez de desde Asia, según apuntaban las teorías antropológicas del momento. Para ello construyó una balsa con materiales naturales, tal como habrían hecho en su momento los antiguos pobladores, y se hizo a la mar en dicha embarcación junto con otros cinco hombres para recorrer el camino de Perú a las islas polinésicas.

Toda una aventura surgida de la obsesión de Heyerdahl por demostrar su teoría. Una obsesión por la que debió pagar un alto precio a nivel personal. Durante la travesía los osados tripulantes llevaron una cámara con la que filmaron la odisea y de ese material se estrenó en 1950 el documental Kon-Tiki, que fue galardonado con el Oscar a Mejor Documental.

La película que ahora nos atañe es una dramatización de aquel viaje y ha estado nominada en los Oscar de este año a Mejor Película de Habla no Inglesa, estatuilla que finalmente se llevó Amour, de Michael Haneke. Dirige el tándem formado por los directores noruegos Joachim Ronning y Espen Sandberg, dos amigos de la infancia que empezaron rodando cortos amateur en vídeo y han continuado su cooperación en el terreno profesional. En 2006 dieron un salto a las grandes producciones internacionales con Bandidas, un western protagonizado por Salma Hayek y Penélope Cruz. Ahora está anunciado que dirijan la quinta entrega de la saga Piratas del Caribe, prevista para estrenar en 2016.

Kon-Tiki es una notable película de aventuras con solventes interpretaciones de sus protagonistas y un correcto ritmo narrativo. Si bien el material podía dar para una colosal película épica, la frialdad emocional del conjunto le priva de alcanzar ese status quedándose en una cinta testimonial de los hechos relatados. No obstante ofrece secuencias marinas muy estimulantes para la vista y un diseño de producción muy cuidado en cuanto a la ambientación de la época. Técnicamente impecable.


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sábado, 7 de septiembre de 2013

El anabolizado sueño americano

Un musculoso monitor de gimnasio perpetra conseguir el sueño americano trazando un plan que consiste en secuestrar a uno de sus alumnos, un millonario y déspota empresario de restaurantes de comida rápida, para obligarle por la fuerza a que firme la concesión de su casa, sus bienes y sus cuentas bancarias. Todo ello con la ayuda de otros dos colegas hipermusculados, uno de ellos además cocainómano y ex-convicto. Evidentemente el plan de este "trío de ases" no sale exactamente como habían previsto.

Esto es lo que nos cuenta Michael Bay en Dolor y dinero, que parece que ha hecho un paréntesis en su saga de Transformers para hacer algo diferente. El argumento planteado puede resultar disparatado, pero saber que ha sido un hecho real resulta grotesco. Es una historia acontecida en los años 90. Una tragedia relativamente cercana en el tiempo, provocada por motivos absurdos, se ve ahora convertida en comedia de acción con formato de blockbuster veraniego.

Realmente es un material muy peligroso de manejar para no herir sensibilidades de personas cercanas a los protagonistas. Por otra parte no ridiculizar a alguien cuyo perfil psicológico viene definido por "creo en el fitness y en los Estados Unidos de América" es también una apuesta arriesgada. Cuando se aborda un despropósito como este, si fuese ficción pura y dura sería más fácil llevar a los personajes al límite sin temer que se pueda caer en la falta de respeto hacia personas reales. Quizá este resbaladizo terreno sea el mayor lastre de la película, ya que aporta una mezcla de estilos que le dan un tono algo disperso al resultado final. Al principio parece un film de Stallone con tanto culturista. Luego empieza a predominar el humor burdo y tosco tipo American Pie y similares, y cuando la cosa se pone seria se esboza un humor negro con detalles sangrientos en la línea de Tarantino. Todo ello con el estilo visual algo videoclipero propio de Michael Bay, con sus habituales panorámicas circulares y contrapicados extremos.

Por otra parte los actores están muy bien en la piel de sus personajes, dado lo delicado de las circunstancias, incluso Dwayne Johnson está muy creíble. El líder del grupo lo interpreta con solvencia Mark Wahlberg y el secuestrado es encarnado por Tony Shalhoub, protagonista de la serie televisiva Monk. En un papel secundario tenemos al siempre interesante Ed Harris, el otrora general Hummel de La Roca, también dirigida por Bay.

En definitiva estamos ante una comedia de acción de tono disperso, sin una intención clara sobre lo que nos quiere contar el director, con actores solventes, unas cuantas carcajadas y poco más.


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viernes, 23 de agosto de 2013

Una aventura épica en miniatura

He asistido en nombre de Cinemanet al pase de prensa de Epic, que se estrena en cines el próximo 30 de agosto.

Los creadores de Ice Age nos presentan ahora Epic:El mundo secreto, una aventura menos delirante que la saga glacial en forma pero no en concepto. Un científico extravagante vive obsesionado con demostrar que en un bosque existe un micromundo de seres diminutos que luchan por mantener viva la foresta. Debido a su obstinación el investigador ha dado al traste con su carrera profesional y su matrimonio. A raíz de la muerte de su ex mujer, su hija adolescente se reencuentra con él en este peculiar lugar y por arte de magia se ve inmersa en una batalla épica, por salvaguardar el bosque, entre las fuerzas del bien y del mal en ese mundo microscópico de espada y brujería.

Como un cruce entre Cariño, he encogido a los niños y El Señor de los Anillos, Epic es una espectacular producción de animación para toda la familia. La textura de las imágenes en tonos pastel resulta muy acertada, así como la música de Danny Elfman, del cual también es la partitura de Oz, un mundo de fantasía, otra película de género fantástico estrenada este año.

Sin embargo al conjunto del film parece que le falta algo, que le falta garra en algunos pasajes. Aunque el argumento es algo estrambótico los personajes no lo son tanto, como sí lo eran en Ice Age. No obstante creo que la carencia de la película es que no hay un indivíduo más carismático que los demás. La galería de personajes está muy bien trazada sobre el papel, así como las relaciones entre ellos, pero todos se mantienen en una línea correcta sin que ninguno destaque por algo. Por otra parte se esbozan temas interesantes en cuanto a tema familiar sobre la ausencia de alguno de los progenitores, la madre en el caso de la adolescente humana y el padre de un chico del micromundo fantástico. Esto hace interesante la trama y la construcción de personajes pero se queda muy en superficie en cuanto a tratamiento. Otras obras de animación han sido capaces de trascender el mero espectáculo tocando la fibra sensible del espectador con situaciones similares, como por ejemplo en Up, o en Buscando a Nemo. Sin embargo en Epic los temas están presentes pero no las emociones. También es verdad que estas cosas cuando se trata de buscar la emoción y no se hace bien se puede llegar al ridículo y la cursilería. En ese aspecto también es verdad que Epic se cuida mucho de no caer en eso, lo cual se agradece.

En resumen se trata de una película de aventuras muy entretenida que podría dar más de sí en el terreno de las emociones pero que se ha decantado por el mero espectáculo y lo cumple con creces. Recomendable para disfrutar de una sesión de cine en familia en estas calurosas tardes de un verano que ya se aproxima a su fin.


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lunes, 12 de agosto de 2013

Un futuro sin recursos

Asistí al pase de prensa de Elysium en nombre de Cinemanet. La película se estrena en cines el 16 de Agosto.

El director Neill Blomkamp, que sorprendió en 2009 con la cinta de ciencia ficción Distrito 9, regresa a las pantallas con una nueva película de este género: Elysium. En el año 2154 la Tierra se encuentra sumida en el caos por la sobrepoblación y los recursos sanitarios no son suficientes para abastecer a todos. La acción transcurre en la ciudad de Los Angeles, en la que todos son bilingües en inglés y español. Por otra parte las clases más pudientes han emigrado a una estación espacial llamada Elysium, donde mantienen un nivel de vida alto, una posición acomodada, alta tecnología sanitaria para curarse cualquier dolencia o enfermedad, y todos son bilingües en inglés y francés. En este contexto, un tipo llamado Max sueña desde niño con ir a Elysium. Un día tras un accidente laboral su vida da un vuelco.

Acción futurista con trasfondo de denuncia social y un toque de romanticismo es el cocktail veraniego que nos ofrece Elysium, una película poderosa visualmente, muy intensa y dirigida con pulso firme. Desde mi punto de vista sólo tiene dos puntos flacos: un desenlace algo tópico y varios planos rodados con excesivo e innecesario movimiento de cámara que hace la acción algo confusa. No obstante el resultado global es el de un thriller futurista adrenalítico con garra e intensidad suficientes para mantener al espectador pegado a la butaca durante todo el metraje.

Protagoniza Matt Damon que vuelve al género de ciencia ficción tras Contagio y Destino oculto, ambas estrenadas en 2011. Le secundan Jodie Foster, Alice Braga, Diego Luna y Sharlto Copley, que ya había trabajado con el director en Distrito 9.

El arranque de la película es muy bueno, con la infancia del protagonista que lo presentan como alguien especial llamado a hacer algo importante. Un cierto toque mesiánico que dota al personaje de un aura de carisma desde el principio. Luego se desarrolla todo con un ritmo trepidante pero nítido, sin atropellos. En todo momento sabemos lo que ocurre y dónde estamos. Además combina hábilmente la descripción del mundo en que se enmarca la trama con la evolución de la misma. Hay muchas películas en las que primero presentan el escenario y luego la historia. En este caso ambos aspectos evolucionan en paralelo, algo que narrativamente dota a la película de un ritmo muy ágil y hace muy meritoria la labor del director.

En otro orden de cosas cabe citar el hábil uso de los efectos visuales. Hoy en día ya no tiene ningún sentido tratar de sorprender al espectador con algo muy vistoso y nada más. Parece que Blomkamp es consciente de ello y combina perfectamente los efectos digitales y pirotécnicos para ponerlos al servicio de la historia creando el ambiente adecuado.

Por tanto se puede decir que estamos ante una película de ciencia ficción de primera línea, con sus pequeños defectos, pero globalmente muy completa a nivel de planteamiento, narración, personajes, actores y puesta en escena. Y por supuesto acompañado todo de una más que adecuada partitura musical.



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martes, 6 de agosto de 2013

Doble biopic

Asistí en nombre de Cinemanet al pase de prensa de Renoir.

En 1915 muere la mujer del gran pintor impresionista Pierre- Auguste Renoir. A su hijo Jean lo han herido en la Guerra. Además tiene artrosis en las manos y eso provoca que cada vez le resulte más complicado pintar. En esta situación desesperada irrumpe en su vida una nueva modelo, una nueva musa inspiradora.

Este es el marco de acción de Renoir, producción francesa dirigida por Gilles Bourdos. El Impresionismo se caracterizaba por la captación de la luz, pero en esta película podemos encontrar varias luces y sombras. Por un lado se percibe narrativamente algo torpe, con algunos pasajes poco claros en intención y en la conservación de la continuidad del relato. Por otra parte hace gala de un exhibicionismo gratuito de la actriz principal algo excesivo, en mi opinión, durante la primera mitad del film. Los personajes de los hijos de Renoir están bien trazados pero el director no profundiza demasiado y se queda en la superficie de lo que podrían haber sido grandes personajes.

Y ahora viene lo bueno: unas hermosas localizaciones de exteriores, una fotografía en tonos cálidos y una emotiva partitura musical, componen un estimulante lienzo cinematográfico sobre el que plasmar un interesante doble biopic: el ocaso del genio impresionista Pierre-Auguste Renoir y el origen del gran cineasta Jean Renoir, su hijo, responsable de títulos como La gran ilusión o Esta tierra es mía. Por otra parte los actores están todos correctos en sus interpretaciones. Antropológicamente la película también ofrece un tema sustancioso: la dualidad en la que viven los hijos de un gran artista. Por un lado no les falta de nada y son conscientes de lo importante que es la obra de su progenitor, pero por otro lado sufren la indiferencia del genio que vive para su arte y descuida la faceta emocional de sus vástagos, los cuales se sienten abandonados a pesar de vivir bajo le mismo techo que su padre.

En definitiva una buena película con planteamientos interesantes pero que se queda corta en su ejecución por no profundizar algo más en la hondura dramática tanto de los personajes como de las situaciones vividas.

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jueves, 25 de julio de 2013

Garras y katanas

Sensacine celebra su Community Day veraniego con el preestreno de Lobezno Inmortal.

Tengo cierta sensación de deja vú. Hace unos días escribía sobre Star Trek en la oscuridad, que se estrenaba cuatro años después del reinicio de la saga en 2009. Ahora se estrena Lobezno inmortal como secuela de X-men orígenes: Lobezno, la precuela de la saga X-Men que también se estrenó en 2009. La diferencia con el reinicio de la serie trekkie es que en este caso las dos películas sobre el carismático y salvaje mutante Lobezno, han sido dirigidas por distintos directores. La que ahora nos ocupa ha sido orquestada por James Mangold, artífice de títulos interesantes como Copland o El tren de las 3:10. Sin embargo el actor sigue siendo Hugh Jackman, y es que la identificación de actor y personaje ha calado hondo entre el público. Jackman es a Lobezno como Harrison Ford a Indiana Jones o Robert Downey Jr. a Iron Man.

Lobezno Inmortal arranca con el héroe salvando la vida a un soldado japonés en la II Guerra Mundial. Ya en la actualidad una joven japonesa lo busca para llevarlo a la tierra del Sol Naciente ante la presencia de aquel militar nipón, ahora viejo y moribundo que se ha convertido con el tiempo en presidente de una poderosa multinacional asiática. A partir de ahí Lobezno se verá metido en medio de una trama conspiratoria entre la gran empresa y los yakuzas (mafias japonesas).

Si bien la primera parte tenía un planteamiento interesante y primario en torno al origen del protagonista, que acabó siendo malograda por algunas secuencias torpemente resueltas por su director, en este caso la trama es quizá menos sustanciosa, pero la realización de Mangold y el marco de acción asiático, hacen de esta nueva entrega una película más sofisticada y en general un film de mayor nivel que su predecesora. Escenas de acción como la pelea sobre el tren bala, el exotismo de los escenarios y algún que otro chascarrillo del protagonista hacen de esta cinta un atractivo blockbuster veraniego. Por otra parte también tiene su parte reflexiva con el alma torturada de Lobezno, que quiere ir a su aire pero siempre acaba haciendo el bien ayudando a los débiles, aunque este aspecto es perceptible en todas sus apariciones en la saga de los mutantes de Marvel.

Entretenida y trepidante, Lobezno inmortal no aporta nada nuevo al filón de adaptaciones de comics al cine pero dentro de esta moda es un título muy digno, y concretamente dentro de la saga de los X-Men es superior a X-Men III: la decisión final y a X-Men Orígenes: Lobezno.


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sábado, 20 de julio de 2013

El Enterprise de nuevo en la brecha

En 2009 el director J.J. Abrams reiniciaba la saga de Star Trek con los míticos personajes de la nave Enterprise rejuvenecidos para contarnos sus inicios. Llega ahora la segunda entrega de esta nueva etapa bajo el título Star Trek: En la oscuridad, con el mismo elenco que la anterior y el nuevo fichaje de Benedict Cumberbatch, conocido por la serie de TV Sherlock, y visto últimamente en la gran pantalla en títulos como El Hobbit o War Horse. Cabe destacar también la presencia de Peter Weller, el otrora protagonista de Robocop.

En esta ocasión un sofisticado y demoledor criminal llamado Khan, atenta contra el alto mando de la flota estelar y se refugia en el planeta de los Klingon, con quienes los humanos se encuentran al borde de la guerra. La tripulación del Enterprise se encargará de perseguirle y darle caza.

Los personajes se enfrentan a una situación extremadamente peligrosa en la que continuamente se verán en la encrucijada de si deben tomar decisiones de forma racional o visceral. ¿Se deben seguir las normas siempre o se deben incumplir cuando su cumplimiento supone una acción moralmente cuestionable o reprobable? Este debate surge en varios momentos durante el metraje. Por otra parte las escenas de acción son trepidantes y espectaculares, con efectos visuales a la altura de lo que se espera de un film de estas características.

Entre ambas películas sus protagonistas se han dejado ver en otros títulos de cierta relevancia: Chris Pine, que interpreta al capitán Kirk, protagonizó Imparable junto a Denzel Washington en 2010. Karl Urban ha sido el implacable juez futurista en Dredd el año pasado. Simon Pegg ha explotado su vis cómica durante 2011 con Paul y Misión Imposible: Protocolo fantasma. También en 2011 Zoe Saldaña protagonizó Colombiana y en 2009, tras Star Trek, estuvo presente en Avatar.

En resumidas cuentas estamos ante una correcta película de aventuras y ciencia ficción, trepidante, entretenida, con personajes sólidos, y como secuela cabe destacar que mantiene el nivel de su predecesora tanto técnica como artísticamente.


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lunes, 15 de julio de 2013

Tornatore tras los pasos de Hitchcock

El director italiano Giusseppe Tornatore, responsable de Cinema Paradiso, deslumbra con una película de suspense titulada La mejor oferta. Se trata de una intriga bien urdida y espléndidamente ejecutada en la pantalla sobre un excéntrico, solitario y maniático agente de subastas de arte y antigüedades que utiliza su posición para obtener de forma fraudulenta los cuadros que le interesan personalmente. La llamada de una enigmática mujer, la cual padece agorafobia, que contacta con él para solicitar una tasación de varias antigüedades, hará tambalear su hasta entonces mundo perfecto forjado en manías y supersticiones.

Geoffrey Rush se come la pantalla. Su presencia es magnética e inquietante. Irradia autoridad. Es el protagonista de la historia y lo hace notar. Sin embargo la joven actriz Sylvia Hoeks, su partenaire en la trama, no desmerece en absoluto a su lado. No lo ensombrece pero tampoco se hace de menos. Las escenas que ambos comparten son secuencias con dos presencias poderosas. Completan el reparto Jim Sturges, protagonista de 21 Black Jack, y el veterano incombustible Donald Sutherland.

Igual que en Cinema Paradiso se rendía un homenaje al cine clásico como fuente de inspiración para la ilusión, el vehículo que ha hecho soñar a varias generaciones mostrándoles otros mundos, en La mejor oferta también se rinde tributo al cine de toda la vida pero más concretamente al género de suspense en la línea del maestro Alfred Hitchcock, con especial hincapié en la película Vértigo, con un romance obsesivo y peligroso rodeado de misterio.

Buenos actores, buen guión, fantástica puesta en escena, sencilla pero con un sentido de la continuidad visual intachable, y por si fuera poco, la música de Ennio Morricone pone la guinda al pastel. Tan solo un cierto halo de pesimismo puede empañar en cierto modo la sensación con la que uno se queda al terminar la película. Si bien Cinema Paradiso proporciona un poso de belleza que deja buen cuerpo al espectador, en La mejor oferta todo es más oscuro, y eso hace que deje uno se quede pensando: "¡Qué buena es esta película! pero tengo una sensación rara, como que algo no me encaja del todo y no sé lo que es". En realidad no debería comparar ambas películas, ya que tienen sendos tonos muy distintos, pero el hecho de que ambas sean un homenaje al cine clásico perpetradas por el mismo autor, hace casi inevitable la comparación. No obstante, y tal como está la cartelera últimamente, La mejor oferta es una de las mejores cintas que hay actualmente en las salas comerciales. Totalmente recomendable.


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domingo, 7 de julio de 2013

Dos duros entre rejas


Hace unos días se ha propagado por internet el trailer de Escape plan, proyecto conocido también como The Tomb, el nuevo encuentro en la gran pantalla de los colegas Stallone y Schwarzenegger tras Los mercenarios 2. La cosa promete aunque tardaremos en verlos, ya que tiene previsto el estreno en Estados Unidos para octubre y en España aun no hay fecha.

Por lo que se ve en el trailer se trata de un thriller de acción en ambiente carcelario. Puesto que es un entorno que ha servido de escenario a muchas películas del género, me ha parecido interesante revisar los antecedentes que tienen estos dos protagonistas en las fugas de prisión. Curiosamente para Schwarzenegger es su primera vez. Ha repartido leña a diestro y siniestro en un montón de títulos adrenalíticos, pero por alguna razón en ninguna lo hemos visto como recluso. Lo más parecido ha sido Perseguido, en la que es encerrado por un delito que no ha cometido pero lo reclutan para competir en un concurso de la tele que consiste en una persecución a muerte de criminales condenados. Una película futurista dirigida en 1987 por Paul Michael Glaser, más conocido en su faceta de actor por protagonizar la serie Starsky y Hutch.

Por otra parte Stallone sí que ha protagonizado varias fugas en la ficción. La más paradigmática quizá sea Encerrado (Lock up), estrenada en 1989, en la interpreta a un preso condenado por un crimen menor, que poco antes de cumplir condena es trasladado a una prisión de máxima seguridad dirigida por un alcaide sediento de venganza por una cuestión personal contra el recluso. El alcaide está interpretado por el gran Donald Sutherland. Este mismo año Stallone volvía a protagonizar una espectacular fuga, esta vez junto con Kurt Russell en Tango y Cash, una entretenida mezcla de comedia y acción en la que los dos mejores policías de Los Angeles, de caracteres y estilos opuestos, son encarcelados al caer en una trampa perpetrada por un enemigo común que los quiere fuera de circulación.

Siguiendo con el cóctel de risas y acción se estrena en 1993 Demolition Man, añadiendo además el ingrediente de la ciencia ficción. Se trata de la existencia en el futuro de una crio-prisión, en la se congela a los presos durante su condena. Un día descongelan a un peligroso criminal, al que da vida Wesley Snipes y se fuga, por lo que sacan también de su letargo para darle caza al policía que lo detuvo en el pasado, interpretado por Stallone, que cumplía condena por las consecuencias de sus expeditivos métodos para cazar criminales.

También cabe nombrar en la filmografía de Sylvester sus intentos de fuga de un campo de concentración nazi durante la II Guerra Mundial en el film Evasión o victoria, de John Huston. Interesante película en la que un oficial alemán, interpretado Max Von Sydow, decide organizar un partido de fútbol entre la selección alemana y un combinado europeo de los reclusos del campo. Para él como aficionado al deporte es un gran evento, aunque sus superiores lo ven como una herramienta de propaganda y los reclusos como una oportunidad para fugarse.

Pues dicho esto veremos qué nos depara Escape plan. Además de los dos astros de la acción les acompañan en el reparto Sam Neill, famoso por su papel de paleontólogo en Parque Jurásico, y Jim Caviezel, popular especialmente por su papel de Jesucristo en La Pasión, de Mel Gibson. Por otra parte el director es el sueco Mikael Hafstrom, responsable de Shanghai. De momento aquí tenemos el trailer. A ver qué pasa.

lunes, 24 de junio de 2013

Buscando su lugar en el mundo

Podcast (versión audio de este artículo):


Gracias a Sensacine por el preestreno de El hombre de acero, sin duda la estrella de la cartelera este fin de semana.

Desde que Christopher Nolan se hizo cargo de la saga de Batman, parece que tenemos dos estilos para llevar a los superhéroes de los cómics a las pantallas. Mientras los de Marvel tienen un tono lúdico, colorista, sofisticado de la mano de varios directores como Shane Black en Iron Man 3 ó Joss Whedon en Los Vengadores, sin olvidar a Jon Favreau con los dos primeros Iron Man, por otra parte tenemos el hecho de que las adaptaciones de DC Comics han gozado de menor gloria en la gran pantalla salvo en el caso del Batman nolaniano que funcionó bastante bien al conferirle un toque de hiperrealismo, hondura dramática y dilemas existenciales. Ahora traslada este estilo a Superman bajo el título de El hombre de acero (The man of steel) como productor, pero cede las riendas de la dirección a Zack Snyder, responsable de adaptar al cine las novelas gráficas 300 y Watchmen.

El resultado tiene luces y sombras. Al menos a mí me dejó una sensación de sentimientos enfrentados. Algunos elementos chirrían un poco por resultar algo forzados, pero hay otros momentos en los que la intensa atmósfera de la película atrapa de lleno al espectador. La parte existencialista sobre el chico con poderes que no encaja en ninguna parte y busca su lugar en el mundo, es muy interesante y está bien llevada con una narración en flashbacks. Sin embargo el desenlace final es una traca pirotécnica tan excesiva que acaba por dejar indiferente en vez de boquiabierto al personal, algo parecido a lo que había pasado en Origen (Inception).

La partitura musical de Hans Zimmer es sensacional, nada que envidiar a la mítica de John Williams en la versión de Superman de 1979. Por otra parte el protagonista Henry Cavill, a quien vimos el año pasado correteando por las calles de Madrid en La fría luz del día, es un digno sucesor de Christopher Reeve. No es ni mejor ni peor, simplemente el enfoque del personaje es diferente y Cavill está a la altura de las circunstancias. Le acompaña Amy Adams, nominada al Oscar por The fighter, en el rol de la periodista Lois Lane. En este caso sí me atrevería a decir que el personaje le quedaba mejor a Margot Kidder en la versión clásica, aunque Adams cumple bien con su trabajo.

Kevin Costner y Diane Lane como los padres terrestres de Superman son quizá los que consiguen una mayor solidez interpretativa. Tienen pocas escenas, pero todas ellas están dentro de las mejores de la película. Completan el reparto Russel Crowe como el padre biológico del protagonista, y Michael Shanon como el villano de la función, el general Zod, papel que interpretó Terence Stamp en los títulos Superman y Superman II de la antigua saga. Este personaje tiene un enfoque muy jugoso sobre el papel, que luego no se explota adecuadamente en el film. Asimismo Shanon lo interpreta con ganas pero no es suficiente. Quizá falla la dirección de actores o quizá fue un fallo de casting al asignar ese personaje a este actor. En cualquier caso el actor trabaja bien pero da la sensación de que el personaje podría haber sido un villano con más enjundia de que realmente demuestra.

Resumiendo se puede decir que El hombre de acero es una buena película de ciencia ficción dentro del filón de adaptaciones de cómics al cine, que por un lado acierta con el enfoque trascendente del héroe solitario sumido en un mar de dudas existenciales, y por otra parte le sobra metraje en el tercio final por la sobredosis de ruido y destrucción masiva gratuita que despliega ante nuestros ojos y oidos. Especialmente meritorio es el hecho de conseguir dar una nueva perspectiva a un personaje que desde hace 75 años ha tenido tantas y tantas adaptaciones en las viñetas, el cine y la televisión. Pero aquí sigue, se renueva una vez más y funciona. Los clásicos nunca mueren.


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lunes, 10 de junio de 2013

Abracadabra... y desaparece la pasta


Podcast (versión audio de este artículo):


La semana pasada tuvo lugar el preestreno de Ahora me ves (Now you see me) al que asistí gracias a Sensacine. La película llegará a las carteleras el 19 de julio.

El director Louis Leterrier, forjado en el cine de acción con títulos como Transporter, El increíble Hulk o Furia de Titanes, se embarca esta vez en Ahora me ves, un thriller que entremezcla los mundos de los ilusionistas y los atracadores de bancos. Un grupo de cuatro magos independientes son reclutados por un misterioso mecenas para cometer una serie de robos durante sus actuaciones en público. La propuesta es atractiva y el resultado muy vistoso.

Le falta quizá un mayor calado en el trazado de los personajes, que podían dar más de sí. No obstante se mitiga en parte esa carencia con un elenco de actores carismáticos, y es que hay un buen grupo de caras conocidas en la pantalla: Morgan Freeman y Michael Caine ya hacen subir bastante el nivel. Los cuatro ilusionistas llevan los rostros de Woody Harrelson, haciendo de mentalista, un personaje pasado de vueltas hecho a su medida, Jessie Eisenberg, protagonista de La red social, en la piel de un mago muy hábil con las cartas y el ego por las nubes, Dave Franco, el hermano menor de James Franco, visto recientemente en Memorias de un zombie adolescente, da vida aquí al más novato del cuarteto, y finalmente Isla Fisher, actualmente en cartelera con El gran Gatsby, pone el toque femenino en el equipo mágico. Les persiguen un agente del FBI y otro de Interpol interpretados respectivamente por Mark Ruffalo, el Hulk de Los Vengadores, y Mélanie Laurent, la actriz revelación de Malditos bastardos y El concierto.

Se echa en falta que se exploten más las cualidades de cada uno de los magos. El mejor aprovechado es el mentalista. Sin embargo la chica se ve haciendo un número de escapismo al principio pero después no se desarrollan demasiado sus aptitudes en el transcurso de la trama. Sin embargo la película mantiene el interés durante todo el metraje entre trucos de magia, persecuciones policiales y giros de guión inesperados. Un cóctel sugerente y entretenido cuyo resultado final deja la sensación de que podría haber dado más de sí, pero que con todas y con esas se deja ver con agrado y tiene su punto de interés, especialmente para aquellos con cierta apetencia por conocer la trastienda de los trucos de magia.


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