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El booktrailer de Historia de un blog de cine

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martes, 30 de diciembre de 2014

Balance de 2014


Termina el año y toca hacer balance de la actividad de Galax Pictures durante 2014. Vayamos por partes y veamos por un lado la producción audiovisual y por otro las publicaciones del blog.

En cuanto producciones el año se salda con la publicación de 9 vídeos, de los cuales 2 son grabaciones de eventos, otro es un reportaje de naturaleza, otros 5 son vídeos promocionales de la marca Ragora Juegos, y finalmente el vídeo navideño, como en años anteriores. Estos son los vídeos en orden cronológico:

1- Promo 2014 del juego de mesa Billete a la Luna de la marca Ragora Juegos.
2- Gala de premios del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC).
3- Reportaje sobre La Playa de la Franca.
4- Teaser vídeo del juego El Productor de Cine.
5- Vídeo promocional/demostrativo del juego El Productor de Cine.
6- Campaña "Ilusiones compartidas" para el juego Billete a la Luna.
7- Campaña "Ilusiones compartidas" para el juego El Productor de Cine.
8- Gala de Premios de Cinemanet.
9- Vídeo navideño.

Por otra parte está la actividad del blog con artículos de todo tipo: reseñas de clásicos por su aniversario, actualidad cinematográfica, reseñas de estrenos, artículos sobre actores y directores, etc. Con este post cierro el año con un total de 49 artículos, de los cuales 26 corresponden a críticas de estrenos en España durante este 2014 que toca a su fin. De las películas reseñadas escojo las 10 más relevantes tratando de equilibrar el ranking con representación de todo lo que ha pasado por la cartelera en cuanto géneros, producciones grandes y pequeñas, cine para niños, adolescentes, adultos, cine español, europeo, hollywoodiense, etc.

En base a este criterio este es el top 10 de Galax Pictures Cine Blog sobre los estrenos de 2014:

1.- Amanece en Edimburgo
2.- Al encuentro de Mr. Banks
3.-El amanecer del planeta de los simios
4.- Begin again
5.- Como entrenar a tu dragón 2
6.- El niño
7.- Bajo la misma estrella
8.- El juez
9.- Interstellar
10.- Noé

sábado, 27 de diciembre de 2014

Un trailer prometedor

A veces hay trailers que por algún motivo u otro me llaman la atención por encima de la media y les dedico un post en este blog. Normalmente me ocurre con grandes producciones que lanzan el primer avance con bastante antelación y logran captar mi interés por esa película.

Hace poco me ha pasado con una película independiente de bajo presupuesto. Un film español perpetrado por Juan del Santo y David Martínez. El título es Flow, que aun no se ha estrenado en salas comerciales pero está haciendo un periplo por distintos festivales internacionales en los que está cosechando bastante éxito. Y la verdad es que viendo el trailer no me extraña.

Tuve la oportunidad de conocerlos en la pasada gala de premios de Cinemanet, a la cual acudieron ambos cineastas como invitados y presentaron su película. El eslogan promocional lo define como "un film de acción interior". Es un viaje del alma humana sometida a situaciones límite. Me parece un concepto muy interesante ya que mi último corto de 2013, Condenada soledad, iba un poco en esa línea, salvando las distancias, claro está. Es un tipo de cine, en definitiva, que por algún motivo se me antoja interesante.

Flow se perfila como una sólida propuesta en el panorama del cine español y espero que pronto podamos verla estrenada en las salas comerciales. De momento aquí está el trailer. A disfrutar:



martes, 16 de diciembre de 2014

Disparatadas comedias navideñas

Hace 20 años se estrenaba ¡Vaya Santa Claus!, una comedia protagonizada por Tim Allen en la que encarna a un tipo que tras provocarle un accidente a Papá Noel debe sustituirlo para repartir los regalos en Nochebuena. La película gozó de cierto éxito que propició dos secuelas.

Pero si hay una comedia de Navidad familiar y de humor grueso que ha tenido un gran impacto social, hay que remontarse cuatro años más atrás del título anterior, a diciembre de 1990. Ese año se estrenaba Solo en casa, de Chris Columbus, que catapultó al estrellato al niño prodigio Macaulay Culkin. Una familia que se va de vacaciones a pasar fuera la Nochebuena se deja olvidado al pequeño de la casa. El tierno infante tiene entonces que vérselas con dos ladrones que aprovechan las ausencias de esas fechas para robar en el vecindario. Los caricaturescos malhechores estaban interpretados con mucha gracia por Joe Pesci y Daniel Stern.
El enorme éxito de la película dio lugar a una secuela, Solo en casa 2: Perdido en Nueva York, y a varias comedias protagonizadas por Macaulay Culkin, como Mi chica, Niño rico, o Solos con nuestro tío, esta ultima una película de 1989 titulada Uncle Buck, cuya traducción literal es "el tío Buck", pero que en España se estrenó en 1991 bajo el oportunista título siguiendo la estela del éxito.

Desde finales de los 80 y durante los 90, los musculosos actores de cine de acción ochenteno probaron suerte con varias comedias para cambiar su imagen de cara al público, y Arnold Schwarzenegger llegó a hacer incluso una comedia navideña en 1997 titulada Un padre en apuros (Jingle all the way), en la que el fornido actor da vida a un padre que lucha contra viento y marea por conseguir comprar un Turbo Man para su hijo, el juguete de moda que está agotado en todos los establecimientos.
Otra extravagancia cómica navideña fue auspiciada por un director propio del cine de acción, Richard Donner, y un actor con gran desparpajo como Bill Murray, una unión que dio como resultado Los fantasmas atacan al jefe (Scrooged, 1988), una libre versión de Cuento de Navidad de Charles Dickens llevado a la sociedad actual, en la que el famoso Mr. Scrooge se llama ahora Frank Cross y es un arrogante, cínico y despótico ejecutivo de televisión que recibe la visita de tres fantasmas para enseñarle el sentido de la Navidad.

Y para terminar quisiera recordar una película reciente, de 2011, titulada Arthur Christmas, que fue una muy agradable sorpresa en su momento. Se trata de una comedia de animación 3D de los estudios Aardman sobre tres generaciones de Santa Claus, y cómo en la actual generación hay dos descendientes: uno que es el hermano listo, muy profesional, muy técnico, perfecto sucesor de su padre, y el otro, Arthur, el hermano torpe al nadie hace caso pero que finalmente es quien mejor entiende el espíritu de la Navidad.


domingo, 14 de diciembre de 2014

Nuevo vídeo de Galax Pictures para Cinemanet

El pasado 28 de Noviembre se entregaron en Madrid los premios Personaje y ¡Qué bello es vivir! de Cinemanet, en sus quinta y segunda edición respectivamente.

Al evento acudieron varios invitados del mundo del cine que dieron un avance de sus nuevos proyectos. Asimismo se presentó el juego de cartas El Productor de Cine, de Ragora Juegos.

Los premiados este año fueron los siguientes: Jess Fisher, protagonista de Amor y letras e interpretado por Josh Radnor, también guionista y director de la película, fue galardonado con el premio Personaje. Una mirada entre mil fue el corto ganador del premio ¡Que bello es vivir! de cortometrajes. Los galardonados con el premio ¡Qué bello es vivir! de largometrajes han sido October Baby y Gravity. Finalmente Pablo Moreno, de Contracorriente Producciones, recibió la Mención Especial por su trayectoria.

Este es el vídeo de la gala:

lunes, 8 de diciembre de 2014

Huida del planeta Tierra

En un futuro próximo la Tierra se hace inhabitable. La sobre explotación de los recursos ha llevado a los seres humanos al borde de la extinción. La NASA ha desarrollado un plan de exploración espacial para buscar otro planeta que sea habitable y salvar así a la humanidad.

Este es el cuadro en que se desarrolla Interstellar, la nueva película de Christopher Nolan. Protagoniza Matthew McConaughey en el rol de un ex-piloto reconvertido en agricultor debido a las necesidades de supervivencia de la Tierra, y con el que vuelven a contar para una de las misiones de exploración. Le secundan Anne Hathaway, como una brillante científica, Michael Caine, antiguo jefe del piloto y quien lo reengancha para la nueva misión, Matt Damon, como otro científico espacial, y Jessica Chastain en el rol de la versión adulta de la hija del protagonista, que tiene mucho peso en toda la trama. Completan el reparto de rostros conocidos los veteranos John Lithgow y Ellen Burstyn.

El director, al igual que en la trilogía de El caballero oscuro y en Origen, demuestra una vez más su maestría para crear atmósferas envolventes, apoyado en unos efectos visuales de primera línea, una potente puesta en escena, adecuada fotografía y una excelente partitura musical del aclamado compositor Hans Zimmer.

El film podemos decir que es tres películas en una. Por un lado tenemos un drama familiar muy bien planteado y que funciona estupendamente con una fluidez narrativa sin fisuras. Luego viene una trama en clave de thriller de aventuras espaciales trepidante y entretenido también muy conseguido. Pero finalmente el pretencioso director se pone a jugar a "quiero ser como Kubrick" con una tercera trama en plan metafísico y filosófico, y esta parte resulta confusa. La fluidez narrativa demostrada en las vertientes de drama y thriller se hace más floja en este intento de trascendencia que no sabe muy bien cómo rematarlo.

Por tanto queda finalmente una space opera muy potente visualmente y muy entretenida en general, aunque le sobra algo de metraje, con una historia bien contada, salvo en su vertiente más mística, que acaba siendo el talón de Aquiles de la película.

martes, 25 de noviembre de 2014

Científicos en acción: Un pueblo llamado Dante's Peak

Hace unos meses se estrenaba Pompeya, con un espectacular despliegue de efectos visuales para recrear la histórica erupción del volcán Vesubio. Pero no es la primera vez, por ello quisiera rescatar una producción del año 1997 en la que los efectos digitales también dieron vida a un espectáculo volcánico: Un pueblo llamado Dante´s Peak.

En este caso podemos ver cómo trabajan un equipo de vulcanólogos. El argumento trata sobre un bucólico pueblo estadounidense situado junto a un volcán supuestamente extinto. Sin embargo la realidad es que se encontraba latente, dormido y ahora se está despertando. Ante los primeros indicios de actividad magmática un equipo de expertos se desplazan al lugar para analizar los riesgos existentes. Temblores de tierra, subida de la acidez y la temperatura del agua, emanaciones de azufre, son síntomas que presagian la inminente erupción volcánica. Los científicos despliegan distintas sondas y aparatos para medir estos parámetros. Cualquier cambio brusco en los niveles de estos parámetros puede ser la señal para salir pitando del lugar.
Protagonizan Pierce Brosnan y Linda Hamilton. Él es un experto con instinto al que sus jefes no hacen caso mientras los datos empíricos no le den la razón en sus predicciones, claro que en tema de volcanes cuando esto ocurre ya es demasiado tarde. Ella es la alcaldesa del pueblo, divorciada y con dos hijos. Brosnan estaba en aquel momento en la cumbre de su carrera interpretando al agente 007. Hamilton es la otrora famosa Sarah Connor de las dos primeras entregas de la saga Terminator.

La película es interesante, entretenida, dirigida por Roger Donaldson, un director cuya filmografía está nutrida de películas resultonas, que sin ser grandes obras de arte están realizadas con oficio y han hecho buena recaudación sin llegar a ser grandes taquillazos. En su trayectoria encontramos títulos interesantes como Motín a bordo, con Mel Gibson y Anthony Hopkins de protagonistas, Cocktail, a mayor gloria de Tom Cruise, Species, Trece días, o La prueba.

El mismo año se estrenaba Volcano, protagonizada por Tommy Lee Jones y Anne Heche bajo la dirección de Mick Jackson, el director de la célebre El guardaespaldas, sobre un supuesto volcán que hace erupción en plena ciudad de Los Angeles. Partía con el punto de interés de ver qué pasaría si un volcán se desatara en pleno corazón de una gran ciudad en vez de en el campo, pero el resultado final de la cinta es bastante irregular. Realmente entre los dos volcanes cinematográficos de aquel año me quedo con Dante's Peak.


domingo, 16 de noviembre de 2014

Curiosidades de Spielberg y sus actores

Steven Spielberg se encuentra estos días rodando su nueva película como director, un thriller de espionaje ambientado en la Guerra Fría del que aun no se sabe el título. El protagonista es Tom Hanks y el interés de esta información es que se trata de la cuarta vez que director y actor trabajan juntos. A su vez esto es interesante porque así Hanks se convierte en el primer actor con papel protagonista, o coprotagonista, que trabaja a las órdenes del Rey Midas de Hollywood en diferentes personajes. Hasta ahora Harrison Ford había trabajado cuatro veces bajo la batuta de Spielberg pero siempre con el mismo rol, en la saga de Indiana Jones, que actualmente es una tetralogía.

Los anteriores trabajos del tándem Hanks-Spielberg son Salvar al soldado Ryan (1998), Atrápame si puedes(2002) y La terminal(2004). Hasta ahora empataba con Richard Dreyfuss que también tenía en su haber tres títulos de la filmografía del prestigioso director: Tiburón (1975), Encuentros en la tercera fase (1977) y Always: para siempre (1989).

Jeff Goldblum había dicho en una entrevista cuando se estrenó El mundo perdido (1997), que para él era un honor trabajar por segunda vez con Spielberg, tras Parque Jurásico (1993), ya que pocos eran los que repetían la experiencia. Richard Attenborough y los niños Joseph Mazzello y Ariana Richards que habían sido protagonistas en la primera entrega aparecen brevemente en el prólogo de la secuela. Otro que también tiene dos títulos con Steven es Tom Cruise, que protagonizó las cintas de ciencia ficción Minority report (2002) y La guerra de los Mundos (2005).

Un caso curioso: en la gala de los Oscar de 1983, la obra más personal de Spielberg, E.T. El extraterrestre (1982) era derrotada por el biopic Gandhi (1982), que se alzaba como triunfadora de la noche. Richard Attenborough se llevaba el Oscar a Mejor Director y Ben Kingsley a Mejor Actor. Diez años después, en 1993, Spielberg estrena dos películas totalmente distintas pero ambas importantes en su filmografía: Parque Jurásico, un punto de inflexión en los efectos especiales generados por ordenador, y La lista de Schindler, cambio de registro en su estilo con el que se ganó el respeto de la crítica y su primer Oscar como director. En la aventura jurásica contó con Richard Attenborough como actor y en el film sobre el holocausto judío dirigió a Ben Kingsley.

Para cerrar el ciclo volviendo al principio del artículo cabe decir que el segundo Oscar como director lo ganó con Salvar al soldado Ryan, la primera colaboración que tuvo con Tom Hanks.

sábado, 8 de noviembre de 2014

El miedo a lo extraordinario

Aceptar algo extraordinario en alguien cercano es difícil, que pone de manifiesto la mediocridad de ciertas personas, incapaces de enfrentarse a sus propios miedos y prejuicios, y la grandeza de quienes sí apoyan al afectado. Ocurre cuando en una comunidad pequeña alguien es diferente a los demás por poseer algún talento especial, pero se acentúa aun más si hablamos de experiencias sobrenaturales, y el cine muchas veces se ha nutrido de este tipo de situaciones. Por ejemplo en Phenomenon veíamos a John Travolta interpretando a un humilde vecino de un pueblo de Estados Unidos que tras afirmar que una noche fue alcanzado por una extraña luz que bajaba del firmamento, empezó a desarrollar su mente progresivamente hasta llegar a la telequinesia. También en El Hombre de Acero el padre terrestre de Superman, interpretado por Kevin Costner, vive obsesionado por ocultar los poderes de su hijo adoptivo a los demás para protegerlo, ya que considera que la gente no está preparada para aceptarlo tal como es.

Este año se ha estrenado El Cielo es real (Heaven is for real), una película de bajo presupuesto basada en una historia verídica, adaptando a la pantalla el libro homónimo que relata el caso de un niño de cuatro años, hijo de un pastor protestante de un pueblo estadounidense, que al ser operado de apendicitis tuvo una experiencia cercana a la muerte y después aseguraba haber visitado el Cielo y conocido a Jesús. La cuestión es que afirmaba haber encontrado a gente que no había visto antes y sabía exactamente lo que estaban haciendo sus padres mientras él estaba en el quirófano. Estas aseveraciones llevan a su padre a cuestionarse su propia Fe, y por supuesto crean controversia entre la comunidad de vecinos.

Es el cuarto largometraje como director de Randall Wallace, habitual guionista conocido por firmar los libretos de superproducciones como Braveheart o Pearl Harbour. Debutó en la dirección en 1998 con El hombre de la máscara de hierro, a la que siguieron Cuando éramos soldados y Secretariat. En El Cielo es real, Wallace saca buen partido de los limitados recursos con los que ha contado para esta producción, así como los actores también han dado lo mejor de sí mismos, especialmente la pareja protagonista encarnada por Greg Kinear y Kelly Reilly. Kinear es recordado especialmente por títulos como Mejor imposible, Sabrina o Pequeña Miss Sunshine. Reilly ha sido vista en films como Sherlock Holmes o El vuelo. Entre los secundarios cabe destacar a Thomas Haden Church, el inolvidable Jack de Entre copas. Y por supuesto merece especial mención el niño debutante Connor Corum.

La película sale bien parada de afrontar abiertamente y sin prejuicios un tema que para muchos puede resultar controvertido. A nivel emocional quizá sea algo tibia, no llega a tocar fibra, pero aun así tiene algún momento emotivo conseguido sin caer en la cursilería, y también un par de toques de humor bien encajados. Un film agradable de ver con buenos actores, bonitas localizaciones correctamente fotografiadas y temas relevantes puestos sobre el tapete.

lunes, 3 de noviembre de 2014

Padres, hijos, egos y juicios

Robert Downey Jr. se quita la armadura de Iron Man y la perilla de Tony Stark pero conserva su arrogancia narcisista para encarnar a un abogado de la gran urbe sin escrúpulos que cobra unos más que jugosos honorarios defendiendo a peces gordos acusados de grandes estafas, evasión de impuestos, desvíos de capital a paraísos fiscales y demás delitos financieros. Por otra parte Robert Duvall interpreta a su padre, juez en un pueblo de Indiana que imparte justicia con un particular sentido del bien y el mal que le ha hecho ganar tanto admiradores como enemigos. Padre e hijo viven separados no sólo por la distancia física sino también por rencillas e incompatibilidad de caracteres entre dos fuertes personalidades con visiones de la vida muy dispares y con sus respectivos egos muy bien alimentados. Cuando muere la esposa del juez, el abogado debe volver a su pueblo natal para asistir al entierro de su madre, y estando allí su padre es acusado de homicidio.

Esta es la historia que nos cuenta El juez, hábil mezcla de melodrama familiar con
thriller judicial protagonizado por un tour de force de dos enormes Robert y Robert. Entre los secundarios cabe destacar la presencia de Billy Bob Thornton, en el rol de fiscal, y Vincent D'onofrio, como el hermano mayor de Downey. Completa el cuadro familiar un tercer hermano, el menor, interpretado por Jeremy Strong, a quien hemos podido ver en títulos como El incidente, Lincoln, o La noche más oscura. El contrapunto femenino entre tanto varón lo pone Vera Farmiga, nominada al Oscar por Up in the air, y coprotagonista en Código fuente. Dirige David Dobkin, que cambia de registro tras dirigir varias comedias como De boda en boda o Los rebeldes de Shanghai.

El críptico pasado del juez en la relación con sus hijos se va desvelando poco a poco a lo largo del metraje en paralelo con la investigación policial de la muerte del individuo de la que se acusa a su señoría. El guión corre a cargo de Nick Schenk, involucrado en el libreto de Gran Torino. El ritmo narrativo es fluido, pero la duración tal vez excesiva para el tipo de película que es. No obstante no se hace pesada y mantiene el interés durante todo el metraje, debido especialmente al carisma de sus dos protagonistas, sobre todo Downey que está omnipresente en todo el film. La puesta en escena de Dobkin es convencional, acercándose peligrosamente al tratamiento televisivo, pero es realzada por la fotografía del polaco Janusz Kaminski, habitual de las películas de Spielberg desde La lista de Shindler en adelante.

En definitiva una interesante película sobre relaciones paternofiliales y fraternales en el marco de una trama judicial. Reflexión sobre la familia, el orgullo, el ego, los errores del pasado, todo ello transmitido por un elenco de excelentes actores encabezado por Duvall y Downey Jr.

domingo, 26 de octubre de 2014

Pacino y De Niro: paralelismos y convergencias

Al Pacino y Robert De Niro son dos grandes indiscutibles de la gran pantalla que además se han granjeado sendas carreras cinematográficas encarnando personajes con registros similares, especialmente mafiosos. Ambos nacieron en Nueva York, Pacino tres años antes que De Niro. Ambos son de ascendencia italiana, Pacino de padres italianos y De Niro con ancestros de Italia por la vía paterna y con mezcla de sangre de varios países europeos por parte de madre. Ambos debutaron a finales de los años 60 y forjaron su fama en la industria del cine durante la década de los 70.

Pacino ha encarnado a mafiosos en películas como la saga de El Padrino, El precio del poder, Atrapado por su pasado, Donnie Brasco, e incluso hizo de mafioso de cómic en la adaptación a la pantalla de las viñetas de Dick Tracy. También hacer de policía le ha ayudado a fraguar su carrera con títulos como Serpico, A la caza, o Melodía de seducción. Curiosamente, a pesar de haber sido nominado varias veces a los Premios de la Academia, su único Oscar le llegó por un personaje que no tiene que ver con estos registros. Recibió la estatuilla por Esencia de mujer, un drama en que encarna a un oficial del ejército retirado, ciego y con un carácter muy difícil que le hace llevarse mal con todo el mundo, incluso con su familia.

De Niro ha sido mafioso en títulos como Uno de los nuestros, Casino, Érase una vez en América, Los intocables de Elliot Ness, e incluso se ha autoparodiado en este tipo de registro con la comedia Una terapia peligrosa. Ha sido galardonado por la Academia de Hollywood en dos ocasiones: la primera como Mejor Actor Secundario por El Padrino II, en la que encarna a Vito Corleone de joven, y la segunda como Mejor Actor Principal por Toro salvaje, donde encarna al boxeador Jake LaMotta.

Pero aparte de sus triunfos por separado sus filmografías tienen tres títulos en común:

1. El Padrino II (Francis Ford Coppola, 1974): es la primera vez salían ambos en una película pero por separado. El film se compone de dos historias narradas en paralelo: por un lado la juventud de Vito Corleone, cómo llegó a Estados Unidos y sus comienzos en la mafia. Por otro lado la historia de Michael Corleone, sucesor de su padre don Vito, dando continuidad a la primera entrega de la saga. De Niro es don Vito de joven y Pacino es Michael, por tanto trabajan en la misma película pero sin compartir ni un solo plano, ya que protagonizan historias distintas dentro del film. Como anécdota cabe citar que De Niro se había presentado al casting de la primera parte haciendo la prueba para el personaje de Sonny Corleone, papel que finalmente encarnó James Caan.

2. Heat (Michael Mann, 1995): había gran expectación cuando se estrenó esta película, ya que era la primera vez que ambos actores iban a compartir escena. En los títulos de crédito iniciales aparecen ambos nombres a la vez en pantalla. La película es excelente thriller policiaco en el que De Niro encarna al líder de una banda de atracadores de bancos y Pacino al policía que les sigue la pista. Durante el film policía y ladrón se van presentando en paralelo, de manera que hasta la mitad de metraje no coinciden en una misma escena, el gran momento esperado por todos. La película goza de muy buen pulso narrativo y un memorable tiroteo en plena calle espléndidamente rodado, con unos efectos de sonido que sumergen al espectador en pleno fuego cruzado. El resto del reparto se beneficia también de otros rostros conocidos como Val Kilmer, Ashley Judd, Natalie Portman, Tom Sizemore ó Jon Voigh.

3. Asesinato justo (Jon Avnet, 2008): thriller en que ambos encarnan a dos policías veteranos de Nueva York, compañeros y amigos desde hace años, que se encuentran investigando un caso de asesinatos en serie. La película en sí es un thriller más, que no ofrece nada nuevo. Correctamente realizado, se deja ver con agrado y su mayor atractivo es el de ver trabajar juntos de nuevo a Pacino y De Niro.

miércoles, 15 de octubre de 2014

Para jugar a ser productor de cine

La marca Ragora Juegos lanza al mercado un juego de cartas para todos los públicos titulado El Productor de Cine. Se basa en el oficio de producir películas.

Como ya había hablado hace algún tiempo en el artículo El productor es el protagonista, el trabajo de los productores consiste en coordinar a todos los implicados en una película para llevar a buen puerto el proyecto. Buscan financiación, planifican el rodaje, contratan a los artistas y técnicos que van a participar, etc.

Partiendo de esta premisa el juego de cartas presenta varias profesiones cinematográficas (director, actores, decorados, guionista, etc) para varios géneros (comedia, drama, aventuras, etc). Cada naipe es un oficio o profesión de manera que cada jugador es un productor que debe juntar las cartas necesarias para componer una película. Según la envergadura del proyecto puede haber producciones normales o superproducciones, y eso también lo plasma el juego en función de las distintas combinaciones que se hagan con las cartas.

Este es el vídeo promocional/demostrativo de Galax Pictures para Ragora Juegos. Con todos ustedes, El Productor de Cine:

domingo, 12 de octubre de 2014

Héroes sin viñetas

No hay duda de que las adaptaciones de los cómics de superhéroes a la gran pantalla son el gran filón de la industria cinematográfica de Hollywood en la actual era dorada de los efectos visuales digitales. Los personajes creados hace 3 ó 4 décadas por los reyes del Noveno Arte, especialmente Marvel y DC Comics, están viviendo una renovación en sus versiones cinematográficas desde hace ya unos años, y todavía les queda fuelle para rato viendo los proyectos que se avecinan.

Sin embargo no sólo de viñetas se nutre el universo de superhéroes en el cine. Por eso expongo a continuación cuatro casos de héroes creados especialmente para la gran pantalla, sin un pasado sobre el papel:

1. Condorman (1981): es una producción de Walt Disney protagonizada por Michael Crawford, Barbara Carrera, James Hampton y Oliver Reed. Un dibujante de cómics, a quien le gusta experimentar en la realidad lo que plasma en sus historietas y cuyo principal personaje es un héroe llamado Condorman, hace un favor a un amigo que trabaja para la CIA. Durante la operación conoce a una espía rusa y él se hace pasar por agente usando Condorman como nombre clave. Posteriormente la espía rusa decide desertar y recurre a la CIA solicitando que sea Condorman quien la ayude a escapar. Gracias a los recursos de la CIA el dibujante consigue utilizar en la realidad los artilugios que había diseñado para su personaje.

La película toma como base la novela The game of X, de Robert Sheckley, publicada en 1965, en la que el protagonista es un desempleado que es reclutado por el Servicio Secreto británico para una sencilla operación y se convierte en espía con el nombre de Agente X al ser requerido por un espía ruso para que le ayude a desertar. El propio Sheckley escribió después la novelización de la película.

2. Darkman (1990): antes de que Sam Raimi adaptase a Spiderman, había ya creado su propio superhéroe. Escribió el guión, junto con Ivan Raimi, Chuck Farrer, Daniel Goldin y Joshua Goldin, y dirigió esta película protagonizada por Liam Neeson y Frances McDorman, que cuenta la historia de una venganza. La música corre a cargo de Danny Elfman, compositor habitual tanto de Raimi como de Tim Burton.

Un científico ha descubierto una fórmula para crear réplicas de la piel humana sintetizada en laboratorio. El único problema que tiene es que el material se degrada con la luz, de manera que cada prótesis que utiliza sólo se mantiene estable durante unos 100 minutos. Tras un brutal ataque de una banda mafiosa a su lugar de trabajo, es dado por muerto pero sobrevive con el rostro totalmente desfigurado. Entonces se convierte en un oscuro personaje sediento de venganza para la cual utilizará su propia tecnología poniéndose el rostro de distintas personas. No tiene cara propia pero puede ponerse la de cualquiera.

3. El protegido (Unbreakable, 2000): también el cineasta M. Night Shyamalan creó su propio universo de superhéroes en el cine. El protegido expone una teoría según la cual la historia se transmite a través de los cómics y los héroes son personas especiales cuya vida tiene sentido gracias a la existencia de un villano que represente la otra cara de la moneda de esas cualidades que lo hacen diferente a los demás. Un guarda de seguridad es el único superviviente de un accidente de tren. A partir de ahí conocerá a un enigmático hombre que padece la enfermedad de los huesos de cristal y que le introducirá en sus teorías sobre la cultura de los cómics.

Si habitualmente las películas de superhéroes se caracterizan por tonos coloristas, efectos visuales espectaculares y ritmo trepidante, El protegido es todo lo contrario: paleta de colores apagados, sin efectos deslumbrantes y ritmo narrativo pausado. Película muy interesante, única, rara, protagonizada por Bruce Willis y Samuel L. Jackson, que ya habían trabajado juntos cinco años atrás en Jungla de cristal: La venganza.

4. Los Increíbles (The Incredibles, 2004): Brad Bird escribe y dirige su propio film de superhéroes en una ágil, dinámica y espectacular aventura de animación 3D sobre una familia de superhéroes en la que cada uno tiene un poder especial.

En una época en la que los héroes con superpoderes gozan del favor de los ciudadanos, varias demandas de algunos de ellos afectados por las acciones de Mr. Increíble, el más popular de los héroes, hace que el gobierno les prohiba seguir usando sus poderes y sean condenados al ostracismo. Deben entonces vivir en el anonimato como personas normales. Quince años más tarde Mr. Increíble se ha casado con Elastigirl y tienen tres hijos. Muchos de sus compañeros del pasado han desaparecido misteriosamente y un día lo reclutan a él para una secretísima misión.

Parte de una base argumental similar a la de Watchmen pero en versión familiar y para todos los públicos. El estilo del film bebe de diferentes fuentes de manera que combina con asombroso equilibrio la comedia familiar con el cine de espías sofisticado tipo 007 y el espíritu del cine de aventuras de toda la vida.

domingo, 5 de octubre de 2014

Hace 60 años...1954

A primeros de año escribí sobre los inicios de varias sagas que comenzaron en 1984 y que por tanto se cumple este año su trigésimo aniversario. Si nos vamos 30 años más hacia atrás en el tiempo llegamos a 1954, y curiosamente también fue un año lleno de títulos interesantes que han dejado huella en la historia del cine.

Un año de clásicos internacionales en blanco y negro: desde Japón Los 7 samuráis, el film de Kurosawa que propiciaría 6 años más tarde otro clásico del cine en su versión hollywoodense adaptada al salvaje Oeste con Los 7 magníficos (1960). En Italia Fellini estrenaba La Strada, y en Estados Unidos Elia Kazan La ley del silencio, protagonizada por Marlon Brando, Karl Malden y Eva Marie Saint, la inolvidable Eva Kendall de Con la muerte en los talones (1958).

Y hablando de Alfred Hitchcock, el mago del suspense estrenaba dos títulos relevantes de su filmografía hace 60 años: Crimen perfecto y La ventana indiscreta, ambas películas con Grace Kelly como protagonista femenina.

1954 fue el año del debut de Sara Montiel en Hollywood con el film Veracruz, de Robert Aldrich, acompañada en la pantalla por Gary Cooper y Burt Lancaster. Un extraordinario western ambientado en plena revolución juarista en Mexico a través de las peripecias de pistoleros estadounidenses que se metían en el conflicto como mercenarios prestando su servicio al bando que mejor pagase. Burt Lancaster estrenaba ese mismo año Apache y Su majestad de los mares del Sur, un clásico de aventuras marinas.

Aunque para odiseas en el mar ese año dio la campanada Walt Disney con 20000 leguas de viaje submarino, adaptación de la célebre novela homónima de Julio Verne. James Mason encarnaba al enigmático capitán Nemo, compartiendo protagonismo con Peter Lorre y Kirk Douglas. Este último también se dejó ver en la cartelera y en ambiente marino ese año con la producción italiana Ulises, de Mario Camerini, secundado por Silvana Mangano y Anthony Quinn.

Hablando de barcos también entra en este aniversario El motín del Caine, de Edward Dmytryk, título emblemático de la filmografía de Humphey Bogart, que también estrenaría la comedia Sabrina, de Billy Wilder, junto a Audrey Hepburn y William Holden, y La condesa descalza, coprotagonizada por Ava Gardner.

Y para terminar el curioso caso de dos producciones de aventuras estrenadas el mismo año con cierto paralelismo argumental: Cuando ruge la marabunta y La senda de los elefantes. En ambos casos se trata de un terrateniente con una plantación en un país tropical, que se casa y su mujer debe adaptarse al nuevo mundo agreste y solitario en que vive su marido. Todo ello en los albores de que la hostilidad de la naturaleza amenace con destruir la plantación.

En el primer caso la plantación es de cacao en Sudamérica y la amenaza de la naturaleza es la marabunta, una cantidad ingente de hormigas migratorias que avanzan en masa arrasando todo lo que encuentran a su paso. Protagonizan Charlton Heston y Eleanor Parker. En la segunda película se trata de una plantación de té en Ceilán, actualmente Sri Lanka, que se ve amenazada por una estampida de elefantes enloquecidos por la sequía. El terrateniente y su mujer son encarnados por Peter Finch y Elisabeth Taylor respectivamente.

sábado, 27 de septiembre de 2014

El mundo de los bares caja

Gracias a Sensacine por el preestreno de La entrega.

Dennis Lehane, autor de las novelas de las que surgieron películas de suspense como Shutter Island o Mystic river, escribe el guión del film La entrega (The drop), basado en una historia corta suya titulada Animal rescue. Dirige Michaël R. Roskam y protagonizan Tom Hardy, el villano de El caballero oscuro: la leyenda renace, Noomi Rapace, protagonista de Prometheus, y James Gandolfini, secundario de lujo de la gran pantalla, fallecido el pasado mes de Junio y que siempre será recordado por el gran público en la serie de TV Los Soprano.

La película nos introduce en el submundo de los bares caja, locales en los que se depositan sobres con dinero negro provenientes de las distintas transacciones ilegales que se producen entre mafiosos de Brooklyn a lo largo del día. En uno de estos bares, regentado por dos primos que fueron los matones del lugar en el pasado, se produce un atraco antes de que los mafiosos de turno recojan sus ganancias. Los atracadores se llevan ese dinero y aquí comienza el lío.

El film mantiene el interés durante todo el metraje. Hay varias subtramas alrededor del argumento principal que hace avanzar la acción y todo está perfectamente entremezclado con una fluidez narrativa impecable. Giros de guión, personajes bien trazados, buenas interpretaciones y una ambientación musical estupenda son los mimbres con los que se ensambla el entramado de este estupendo thriller de suspense que atrapa al espectador desde el primer fotograma y lo retiene hasta el final.

domingo, 21 de septiembre de 2014

Científicos en acción: Estallido

Hemos vivido en los últimos meses un nuevo episodio mediático en torno la enfermedad del Ébola, un virus letal de origen africano también conocido como fiebre hemorrágica. Comienza con síntomas muy generales, como fiebre alta, dolor de cabeza, vómito, debilidad, etc. Este virus lo que provoca son hemorragias internas con daños irreversibles a distintos órganos, por lo que el organismo se va degradando hasta producir la muerte del paciente. El primer caso detectado data de 1976 en Zaire. Es una enfermedad que está ahí sin que nadie hable de ella hasta que hay un brote más descontrolado de lo habitual. Entonces se hace mediático y salta la alarma social.

En los años 90 hubo un episodio de alerta parecido al de ahora y Hollywood se hizo eco de ello. Por aquellos días se vivía en la meca del cine un revival del género de catástrofes que había sido moda en los años 70, así que una supuesta pandemia de un virus mortal era un buen argumento para una producción hollywoodense del momento. El título del film es Estallido (Outbreak, 1995), dirigida por Wolfgang Petersen, el aclamado cineasta alemán artífice de El submarino y La historia interminable.

En un pueblo africano se detecta un brote de un virus mortal al que llaman Motaba, y el ejército estadounidense ordena borrar del mapa el poblado para erradicar la amenaza. Años más tarde surge otro brote de Motaba y esta vez llega a Estados Unidos a través de un mono portador del virus que ha sido capturado ilegalmente por traficantes de animales exóticos. Un equipo de biólogos moleculares militares se encarga de dar caza al microscópico enemigo.

La película mezcla hábilmente el género de catástrofes con la investigación científica, las conspiraciones militares y la acción en una carrera contrarreloj para dar caza al virus. Además el reparto está lleno de caras conocidas. Protagoniza Dustin Hoffman como el biólogo al mando de la investigación. Rene Russo es su colega de trabajo y ex-mujer. Les secundan Kevin Spacey como miembro veterano del equipo, Cuba Gooding Jr como un novato en el trabajo de campo, Donald Sutherland en el rol del despiadado oficial que ordenó la erradicación años atrás y Morgan Freeman encarnando al oficial que colaboró con el personaje de Sutherland en el pasado y es el jefe de Hoffman en el presente.

El Ébola se transmite por los fluidos orgánicos como sangre, sudor o saliva. La diferencia entre el virus real y su versión cinematográfica, el Motaba, es que para la gran pantalla se toman la licencia de que el virus mute y se haga transmisible por el aire, lo cual permite que la propagación de la epidemia sea más rápida y la película más trepidante. Algunas de las fotografías del virus Motaba que se ven en el film, son imágenes reales del Ébola.

Estallido no pretende ser una gran película con mensaje, sino un mero entretenimiento y eso lo consigue con creces. Sin embargo el hecho de que un film refleje con verosimilitud el trabajo científico le da un punto de interés por encima de la media de este tipo de producciones sobre pandemias y amenazas apocalípticas.

domingo, 14 de septiembre de 2014

Espías alemanes contra el terrorismo

El director holandés Anton Corbijn, artífice de El Americano, nos trae un nuevo thriller de espías titulado El hombre más buscado, basado en la novela de John Le Carré, en una coproducción internacional entre Estados Unidos, Reino Unido y Alemania. La trama versa sobre el seguimiento que se hace a un inmigrante ilegal checheno en Alemania bajo la sospecha de que pueda ser un terrorista islámico. Quienes le siguen la pista son un grupo de espías especializado en terrorismo yihadista que opera en Hamburgo y fue creado a raíz de los atentados del 11S.

Philip Seymour Hoffman acapara protagonismo y despliega carisma en su rol de jefe del grupo secreto de espías. Le secundan Rachel McAdams en la piel de la abogada idealista del inmigrante, Willem Dafoe haciendo de banquero, a quien este verano podíamos verlo también en Bajo la misma estrella, y Robin Wright como espía norteamericana. En un papel secundario encontramos al actor español Daniel Brühl, que ha alternado en estos últimos años sus apariciones tanto en films nacionales, como EVA ó The Pelayos, con producciones de Hollywood como Rush ó El quinto poder.

La película es interesante y goza de muy buenas interpretaciones de sus actores. Narrativamente está bien llevada por su director aunque pierde algo de fuelle en su tercio final. Se echa en falta algo más de intensidad. Parece que podría ir de menos a más pero se mantiene todo el rato el mismo tono. No obstante el interés de la historia no se pierde en ningún momento conservándose durante todo el metraje, gracias no sólo al buen hacer de Corbijn y a la estupenda interpretación de Hoffman sino también a un guión bien estructurado que ofrece sorpresas con algunos giros muy bien intercalados. El libreto está firmado por Andrew Bovell, cuyo anterior trabajo como guionista fue Al límite.

miércoles, 10 de septiembre de 2014

Verano 2014. Norte de España.

Está disponible un nuevo reportaje de Galax Pictures: La playa de la Franca. Un enclave situado en el Este de Asturias, en la zona de los Picos de Europa.

El vídeo recoge imágenes de la playa y de sus alrededores, como Cobijeru, una playa interior, ya que se encuentra albergada por acantilados y el mar entra en la misma por debajo de la formación rocosa. La zona está dentro del Camino de Santiago. De hecho otro lugar retratado es Bustio, separado de Unquera por el río Deva, que a su vez sirve de frontera entre Asturias y Cantabria. Aquí comienza una etapa del Camino del Norte de la Ruta Jacobea.

Este es el reportaje:


domingo, 7 de septiembre de 2014

Algeciras vice

Espectacular thriller de acción nos propone Daniel Monzón con su nueva película: El Niño. El aclamado director de Celda 211 se adentra en el mundo del narcotráfico en el Estrecho de Gibraltar con dos tramas entrecruzadas: por un lado están los policías que van tras la pista de un capo apodado El Inglés, y por otra parte la historia de dos jóvenes que por conseguir dinero rápido y fácil se meten en el tráfico de estupefacientes como si fuera un juego, sin darse cuenta de que están jugando con fuego.

La película a nivel técnico es de un gran virtuosismo sin fisuras. Persecuciones por tierra, mar y aire perfectamente coreografiadas, filmadas y montadas son el plato fuerte de la cinta. Los actores están todos correctos en sus papeles y el ritmo está llevado con buen pulso por Monzón. Narrativamente la película es muy nítida, en todo momento se sigue bien la historia sin perderse, algo que no es fácil de conseguir en este tipo de films en los que a veces los tecnicismos de la investigación despistan al público. En ese sentido tanto a nivel de guión como de realización han sabido sintetizar muy bien la esencia de la trama con un buen trabajo de documentación sobre el tema tratado, de modo que ilustran correctamente los entresijos del trabajo policial sin desviarse en ningún momento de la historia que nos quieren contar.

El film tiene ecos de Corrupción en Miami (Miami vice), la famosa serie de los años 80 llevada al cine en 2006 por Michael Mann, con Colin Farrell y Jamie Foxx como protagonistas. Curiosamente Luis Tosar había participado en aquella película en el rol de un despiadado narcotraficante latino, y ahora, en El Niño, es un policía intachable con un elevado sentido del deber. Le acompañan en el reparto Sergi López como su superior en la policía, Eduard Fernández como antiguo compañero, y Bárbara Lennie como su actual compañera. Los dos chicos protagonistas son tocayos: el debutante Jesús Castro, con debut muy prometedor, y Jesús Carroza, ya curtido en el género thriller con títulos como Celda 211 y Grupo 7.

En definitiva El Niño es un sólido thriller de acción made in Spain. Una de las películas clave de este año del cine español.

viernes, 29 de agosto de 2014

La veteranía es un grado

Stallone y sus amigos han vuelto: Los mercenarios 3. En esta ocasión deben enfrentarse con un antiguo miembro del grupo que se pasó al lado oscuro y al que creían muerto. Tras un primer enfrentamiento uno de ellos cae herido y el bueno de Stallone, actuando cual patriarca, se preocupa por sus chicos y decide que para esa misión debe contratar a un grupo más joven que su habitual caterva de veteranos colaboradores.

Repiten desde la primera entrega Jason Statham, Randy Couture, Dolph Lundgren, Jet Li, Schwarzenegger y Terry Crews. Por otra parte hay nuevos fichajes tanto de la vieja como de la nueva escuela. En el comando de nueva generación encontramos a Kellan Lutz, salido de la saga Crepúsculo, Glen Powel, secundario en El caballero oscuro: la leyenda renace, y los debutantes Ronda Rousey, una deportista de lucha libre femenina que entra en el mundo del cine con esta película, y Víctor Ortiz, que también debuta en la gran pantalla.

Por otro lado tenemos a Wesley Snipes, que encaja como un guante en el grupo, Antonio Banderas, que tiene el papel más cómico de la función, y lo hace muy bien encarnado a un ex-legionario español, Mel Gibson, haciendo de villano con gran peso en pantalla a pesar de que sobre el guión el personaje apenas tiene trazo, Kelsey Grammer, que hace de reclutador, y finalmente tenemos a Harrison Ford sustituyendo a Bruce Willis como director de la Agencia que encarga las misiones a estos soldados de fortuna.

La veteranía es un grado y se nota. De hecho las bravatas de los más jóvenes queriendo hacerse los duros palidecen sin remisión ante las chulerías de sus mayores curtidos en mil batallas. Sigue funcionando como un reloj la fórmula de autoparodia mezclada con tiros y explosiones a la antigua usanza. Dirige en esta ocasión Patrick Hughes para el cual este es su segundo largometraje tras Red Hill, película de bajo presupuesto que llamó la atención de Stallone y decidió ver lo que podía hacer este chico con más medios técnicos.

Globalmente dentro de la saga se puede decir que esta es la más floja de las tres, pero con muy poca diferencia. Mantiene bien el tipo, pero el problema es que no ofrece nada nuevo relevante. La primera entrega tiene el mérito precisamente de ser la primera. Los mercenarios 2 pulía los defectos técnicos de la anterior y mantenía el tono que la hacía atractiva. En esta tercera parte el tono se mantiene y la técnica sigue siendo buena. Se ha pretendido aportar el valor añadido de introducir el tema del relevo generacional, pero ese distintivo no acaba de funcionar porque los más jóvenes resultan algo sosos al lado de las viejas glorias, de modo que entre los nuevos fichajes se alzan como grandes triunfadores Mel Gibson como villano y Antonio Banderas como cómico. Así pues queda una nueva estupenda película de acción ochentera orquestada por Stallone para los seguidores del género. Personalmente me ha gustado y lo he pasado muy bien.

sábado, 16 de agosto de 2014

La magia de la música en Nueva York

El director irlandés John Carney, artífice de Once, debuta en Hollywood con nuevo musical callejero titulado Begin again. Protagonizan Mark Ruffalo y Keira Knightly, ambos sensacionales, pero especialmente Ruffalo, que está para que le den un Oscar.

Se trata de un productor musical con un matrimonio arruinado y una hija adolescente conflictiva que un día toca fondo perdiendo incluso el trabajo en la compañía que él mismo fundó años atrás. En plena caída recupera la inspiración al oír cantar en un bar a una chica que compone canciones y está a punto de abandonar Nueva York por un bache en su vida amorosa. Dos talentos en momentos bajos de ánimo que se encuentran y empiezan a crear algo único.

La película habla sobre el talento, la música, la autenticidad del artista frente a la maquinaria industrial, pero también sobre la amistad y las relaciones de pareja, concediendo especial importancia a los problemas matrimoniales y la educación de los hijos en tales circunstancias.

Tiene momentos muy emocionantes y otros muy divertidos. Mantiene bien el ritmo durante todo el metraje y maneja correctamente los cambios de la narración en tiempo pasado y presente. Al igual que en Once, no se trata de un musical al uso en que la canción sustituye al diálogo, como en Amanece en Edimburgo, otro musical de ambiente urbano y tono realista, sino que los personajes cantan porque son cantantes, pero las canciones tienen que ver con su estado anímico y lo que está pasando en cada momento de la historia.

Otro ejemplo más de que el realismo y la magia no son incompatibles, siempre y cuando se mezclen adecuadamente, lo cual no es fácil, pero John Carney lo consigue.

miércoles, 13 de agosto de 2014

Refrescante cóctel veraniego de "pringaos" espaciales

Gracias a Sensacine por la premiere de la nueva producción de Marvel Los guardianes de la galaxia. El evento tuvo lugar en el cine Callao de Madrid y la película llegará a la cartelera mañana, 14 de agosto.

El género de ciencia ficción es muy extenso y prolífico dando lugar a muchas variedades: viajes en el tiempo, distopías futuristas, mad doctors, y por supuesto están las space opera, lo que solemos llamar "una del espacio". Incluso dentro de éstas están aquellas que tratan de alienígenas que vienen a la Tierra y otras que se desarrollan en galaxias muy, muy lejanas. Pero además existe otra variedad que consiste en parodiar este tipo de films, o simplemente mezclar lo sideral con lo humorístico. Serían algo así como "comedias espaciales" o "space opera cómicas". Ejemplos de este tipo de películas son La loca historia de las galaxias (Spaceballs), Héroes fuera de órbita (Galaxy quest), Paul, o la saga de Los Hombres de Negro (Men in Black). En este estilo de cine se enmarca el pelotazo veraniego de Marvel de este año: Los guardianes de la galaxia (Guardians of the galaxy).

La trama versa de un grupo de "pringaos", como se les denomina en la película, que se ven obligados por las circunstancias a trabajar juntos para sobrevivir y evitar que un malo malísimo destruya un planeta entero. La película combina hábilmente la comedia con un espectáculo visual apabullante. Estéticamente está muy trabajada y perfectamente ambientada. El ritmo narrativo es trepidante y no decae en ningún momento. Es como una montaña rusa espacial.

Los personajes, aunque no sean de gran calado, están perfectamente definidos y diferenciados unos de otros. Cada uno tiene sus momentos de gloria con un tipo de humor acorde a su propio carácter.

Protagoniza Chris Pratt, al que se ha podido ver en títulos como Moneyball, La noche más oscura, o Her. Aquí encarna a un pícaro forajido espacial que se hace llamar a sí mismo Star Lord pero nadie lo reconoce por ese apodo. Le acompaña Zoe Saldaña, actriz más curtida en la ciencia ficción reciente, ya que hemos podido verla en Avatar y las dos entregas de la nueva saga de Star Trek dirigidas por J.J. Abrahms. En este caso encarna a Gamora, una letal guerrera galáctica. Con ellos van también dos criaturas generadas por ordenador: Rocket, un mapache parlante e inteligente fruto de un experimento de laboratorio, y Groot, una especie de árbol humanoide. A estos personajes les ponen voz en la versión original los actores Bradley Cooper y Vin Diesel respectivamente. Completa el quinteto protagonista Drax el Destructor, interpretado por el fornido actor Dave Bautista, visto anteriormente en Riddick y El hombre de los puños de hierro. Entre los secundarios podemos encontrar rostros conocidos como Glenn Close, Benicio del Toro, John C. Reilly o Michael Rooker.

Escribe y dirige todo el tinglado James Gunn, cuyo anterior trabajo fue uno de los segmentos de la comedia Movie 43.

En resumen estamos ante un cóctel veraniego de lo más refrescante compuesto de risas, aventuras espaciales y un despliegue de efectos digitales realmente espectacular.

viernes, 8 de agosto de 2014

Lo peor sigue siendo el título

En 2010 se estrenaba Cómo entrenar a tu dragón y ya en ese momento dije que el título era lo único malo que tenía la película. Ahora llega la secuela y sigue en la misma línea. Se titula Cómo entrenar a tu dragón 2, y el contenido del film se mantiene a la altura de su predecesora tanto a nivel técnico como en el calado emocional de sus personajes.

Se refuerzan los temas tratados en la anterior como la conciliación por el diálogo en vez de por la fuerza, los vínculos afectivos entre padres e hijos, en este caso tocando la fase de la madurez de los vástagos, encontrar la propia identidad de uno mismo sin descuidar las responsabilidades que se deben asumir en la vida. Pero sobre todo el gran tema de la historia sigue siendo la amistad. Se refuerza incluso el mensaje sobre cómo tratar a tu mascota. La convivencia entre vikingos y dragones es tal que se trasluce un fuerte sentimiento amistoso ya no sólo entre humanos sino también entre éstos y sus respectivos animales lanzallamas de compañía. Es posible que alguno vea a su perro o a su gato con otros ojos después de disfrutar con esta delicia animada de la factoría Dreamworks.

La trama nos lleva a mostrarnos el lado oscuro del entrenamiento de los dragones. Mientras en la aldea del protagonista todos conviven en armonía con estos seres mitológicos, en otro lugar un siniestro guerrero también trata de amaestrarlos pero no con fines pacíficos sino para controlarlos y formar un ejército con el que conquistar y dominar otros territorios.

La película ofrece unas secuencias aéreas espectaculares, y además se recrea en las mismas. Gran parte del metraje transcurre en el aire. Es trepidante, divertida, entrañable y, en alguna que otra secuencia, emocionante. Otro de los grandes títulos del verano junto con El amanecer del planeta de los simios.

domingo, 27 de julio de 2014

El instinto de conservación de la especie

Tras la sorprendente El origen del Planeta de los Simios llega la primera continuación: El amanecer del Planeta de los Simios. La acción transcurre 10 años después de los hechos acontecidos en la primera cinta. La humanidad se ha visto reducida drásticamente por la pandemia a nivel global de un virus de laboratorio. Los simios que había huido a refugiarse en el bosque de secoyas a las afueras de San Francisco han procreado y formado un poblado, un hogar. La llegada de un grupo de hombres a estos terrenos en busca de unas antiguas instalaciones para producir energía, será el detonante del conflicto entre hombres y simios.

Es interesante ver cómo el director se toma su tiempo para crear empatía de los personajes con el espectador. No hay prisa por mostrar batallas y acción. Todo se desarrolla sin pausa pero sin prisa. Esto propicia que los personajes vayan tomando forma y cuando llega el momento de la acción todo resulte más impactante e intenso para el espectador porque se ha creado una conexión, ya que no se trata de monigotes de cartonpiedra sino de personas con dramas, conflictos personales, en definitiva con calado. Y esto es extensivo a las criaturas simiescas digitales, que consiguen transmitir emociones muy reales.

Por otra parte las escenas de batalla son espectaculares. De modo que la película triunfa tanto en su vertiente intimista como en su aspecto más épico. Sin duda un film muy completo con efectos visuales de primera línea.

Para recrear a César repite el actor Andy Serkis, todo un experto a estas alturas en la técnica de Captura de Movimiento. Ya dio vida con este método al Gollum de El Señor de los Anillos y a King Kong en la versión de Peter Jackson. De los actores que interpretan a los humanos el rostro más conocido es el de Gary Oldman. También destaca Keri Russell, conocida en su momento por la serie de televisión Felicity. El papel principal recae en Jason Clarke, a quien vimos el año pasado en El gran Gatsby, y que será quien interprete a John Connor en la nueva entrega de la saga Terminator, que se está rodando ahora y se estrenará el año que viene.

El director de la primera parte, Rupert Wyatt, ha sido sustituido en esta ocasión por Matt Reeves, conocido especialmente por Monstruoso (Cloverfield), que se ha forjado mayormente en televisión en tareas de director y guionista. De hecho ha trabajado en la serie Felicity protagonizada por Keri Russell. En el guión repiten Rick Jaffa y Amanda Silver y además fichan en el equipo a Mark Bomback, firmante de los libretos de Lobezno inmortal, La Jungla 4.0, ó Imparable, entre otros.

Temas como la supervivencia, el instinto de conservación de la especie, la amistad, la familia y la irracionalidad por el miedo a lo desconocido, están muy presentes en el relato. Se deja patente que en un conflicto no hay un bando bueno y otro malo, sino que el bien y el mal está en cada individuo, de forma que en ambas partes hay quien lucha por la paz y y quien lo hace por guerra.

En resumen estamos ante una película muy completa tanto en contenido como a nivel técnico. Posiblemente sea la película del verano y una de las más relevantes del año.

martes, 22 de julio de 2014

La crisis de los 50

Un hombre a punto de cumplir 50 años sufre un infarto. Este percance le hace replantearse lo que ha sido su vida hasta ese momento, siempre preocupado por el trabajo, la salud, el llevar la vida perfecta. Ante eso cambia su actitud y esto afecta a su relación con su mujer y con un grupo de amigos que se conocen desde hace años, y quien más quien menos tiene también sus problemas.

Barbacoa de amigos es una comedia francesa fresca, desenfadada y divertida muy apropiada para disfrutar en el cine este verano. Una amena y sencilla historia sobre la amistad y las relaciones de pareja. Escrita y dirigida por Eric Levaine cuenta en su elenco con varios actores de cierto renombre en el cine francés, de los cuales el rostro más conocido para el público internacional es el protagonista Lambert Wilson, que apareció en un papel secundario de Matrix Reloaded y Matrix Revolutions, y protagonizó el drama De dioses y de hombres.

La química entre los actores funciona muy bien y los personajes están perfectamente trazados y diferenciados. Los espectaculares paisajes en que transcurre la acción hacen que estéticamente la película sea muy agradable de ver.

Barbacoa de amigos se estrena el próximo 25 de Julio. Su distribución en España corre a cargo de A Contracorriente Films y el pasado 15 de Julio la presentaron en Madrid con la presencia del director y el protagonista.

miércoles, 16 de julio de 2014

Para salir bailando del cine

El director Dexter Fletcher, que debutó en 2011 con Wild Bill, nos trae su segundo film Amanece en Edimburgo (Sunshine on Leith), la adaptación cinematográfica del exitoso musical basado en canciones del grupo escocés The Proclaimers.

La película es un pelotazo de buenas vibraciones con reflexiones positivas sobre la amistad, el amor, el perdón, los sueños e ilusiones de juventud, el compromiso del matrimonio y la unidad de la familia. Optimista, fresca, luminosa, inspiradora, vibrante, emotiva, son tan sólo algunos de los adjetivos que se me ocurren para describir una cinta con la uno sale bailando y sonriendo del cine.

Los actores están en estado de gracia. Todos están bien compenetrados y brillan en sus papeles tanto cuando actúan en escenas cómicas o dramáticas como cuando cantan y bailan. Destaca especialmente Peter Mullan, que rezuma carisma en cada plano que protagoniza, y que posiblemente sea el rostro del elenco más conocido para el gran público.

La historia versa sobre dos amigos que regresan a casa tras haber estado en la guerra en Oriente Medio. Ocurre en vísperas de la celebración de las Bodas de Plata de los padres de uno de ellos y todos están contentos. Sin embargo una irrupción del pasado desata la tormenta en el seno familiar haciendo tambalear la armonía reinante hasta ese momento.

El film tiene un tono realista en el que no chirría en absoluto el hecho de que se haga avanzar la acción a base de números musicales con unas estupendas coreografías muy adecuadas a preservar ese aire de ambiente cotidiano que pretende el director. Los espectaculares planos aéreos de la ciudad de Edimburgo son un estupendo complemento para adornar y dar más empaque al conjunto.

Sin duda una de las películas del año. Un subidón de buen rollo. Totalmente recomendable.

sábado, 12 de julio de 2014

La Inteligencia Artificial llevada al paroxismo

Wally Pfister, que se ha encargado de la fotografía en la películas de Christopher Nolan, debuta como director con Transcendence, una historia de ciencia ficción en la que un científico lleva al extremo sus investigaciones sobre la Inteligencia Artificial hasta el punto de conferir consciencia a las máquinas, convirtiéndose él mismo en un ente virtual con alma.

Conceptualmente es muy interesante. Plantea cuestiones sobre el límite entre lo humano y lo virtual, los principios deontológicos de la ciencia, hasta dónde el hecho de evolucionar puede justificar cualquier acción. El hombre se centra habitualmente en la posibilidad de poder hacer cosas, y se ampara en la capacidad física de poder o no poder hacerlas para tomar una decisión. Sin embargo en ocasiones, cuando poseemos la tecnología necesaria para acometer una acción, lo que deberíamos cuestionarnos no es si podemos sino si debemos hacerlo, como ya cuestionaba el matemático Ian Malcolm de Parque Jurásico.

Por otra parte está el eterno debate sobre la soberbia y el hombre queriendo jugar a ser Dios. También toca el tema sobre el temor de la gente a lo nuevo y desconocido.

En fin, que contenido interesante no le falta a esta película. Sin embargo el resultado final se ve lastrado por una estructura narrativa confusa, que parte ya del guión y que la realización del debutante director no ayuda a paliar. Además el trazado de personajes no está bien matizado y sería muy conveniente tenerlos bien definidos para transmitir correctamente todo el potencial temático del planteamiento inicial.

Queda por tanto un film de calidad media cuando podría haber sido una gran película debido a su contenido. No obstante visualmente es atractiva y tiene algunos momentos muy espectaculares, pero la falta de claridad en cuanto a donde nos quieren llevar, acaba lastrando el resultado final.

Protagoniza Johnny Depp secundado por Rebecca Hall, vista en Iron Man 3, Paul Bettany, Kate Mara, que destacó en la mediocre cinta de acción La huída, y por la presencia siempre bienvenida de Morgan Freeman.

En resumen con Transcendence se tiene la sensación de que se deja ver con agrado pero le falta algo. Goza de buenas ideas, correctos intérpretes, adecuados efectos visuales y aciertos parciales de realización, todo ello elementos muy jugosos que no brillan todo lo que debieran al verse lastrados por personajes poco definidos y un esquema narrativo confuso que a veces da la sensación que no sabe muy bien por donde va ni a donde quiere llegar.

sábado, 5 de julio de 2014

Aferrarse a la vida ante la amenaza de la muerte

Gracias a Sensacine por el preestreno de la emotiva película Bajo la misma estrella.

En los últimos años el cine ha tratado en clave melodramática el tema del cáncer infantil y juvenil con películas como Vivir para siempre, La decisión de Anne, o Cartas a Dios. Ahora nos llega Bajo la misma estrella, segundo largometraje del director Josh Boone, que debutó en 2012 con Un invierno en la playa.

Se trata de la adaptación de libro homónimo de John Green que cuenta la historia de amor entre dos adolescentes con cáncer terminal que se conocen en un grupo de apoyo terapéutico al que ninguno de los dos quería ir en un principio. El tono es de melodrama optimista, que comienza con sonrisas y termina con lágrimas. El sentimentalismo está muy bien llevado para conseguir emocionar sin caer en la sensiblería barata. A ello contribuye el excelente trabajo actoral de sus jóvenes intérpretes: Shailene Woodley y Ansel Elgort, ambos vistos en Divergente, en la cual sus personajes eran hermanos.

La película lanza un mensaje muy positivo sobre la vida, sobre cómo afrontar una tragedia con coraje, sin dejarse abatir, aferrándose a la vida ante la implacable amenaza de la muerte.

Cabe destacar la presencia de los veteranos Laura Dern, la otrora paleobotánica de Parque Jurásico, encarnando aquí a la madre de la protagonista, y Willem Dafoe en un papel de escritor estrafalario que le sienta como un guante.

Salvo alguna situación quizás algo forzada, en general el film es bastante sólido y mantiene el interés en todo momento. Los golpes de humor están muy bien logrados, y adecuadamente dosificados en el metraje, y en ningún caso desdramatizan la seriedad del tema que trata. Por tanto el conjunto globalmente resulta bastante equilibrado y transmite emociones muy reales.

sábado, 28 de junio de 2014

Exotismo mediterráneo con aroma a cine negro clásico

El guionista iraní Hossein Amini debuta en la dirección de largometraje con Las dos caras de enero, adaptación a la pantalla de la novela homónima de Patricia Highsmith. La firma de Amini consta en los libretos de títulos recientes como Shanghai, Drive o Blancanieves y la leyenda del cazador.

En su debut tras las cámaras nos trae un thriller de línea clásica ambientado en el exotismo mediterráneo de Atenas, Creta y Estambul. Un matrimonio norteamericano de vacaciones en Grecia, con un oscuro secreto, y un avispado guía turístico de la capital griega, se ven mezclados en un turbio asunto.

La película goza de una elegante puesta en escena y un ritmo correcto que apenas decae y mantiene el interés durante todo el metraje. También suman puntos a favor una buena fotografía y una partitura musical adecuada a cargo del español Alberto Iglesias.

Sí se le puede achacar en contra que en determinados momentos requiera algo más de garra, que resulte inquietante, y no lo consigue.

No obstante estamos ante una película bastante sólida de aroma clásico, en la línea del cine negro de antaño con un trío de actores muy convincente y bien compenetrados entre sí: Vigo Mortenssen, Kirsten Dunst y Oscar Isaac, a quien vimos haciendo de Príncipe Juan en el Robin Hood de Ridley Scott.

Agradable de ver, elegante y entretenida, así se puede resumir Las dos caras de enero.

viernes, 20 de junio de 2014

Una tarde con Fernando Colomo

El Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) concedió la Medalla de Honor por el conjunto de su carrera al cineasta Fernando Colomo. El evento tuvo lugar el pasado 17 de Junio en el Cine Doré de Madrid. Se contó con la presencia de los directores Mariano Barroso y David Menkes, cuyas respectivas operas primas fueron producidas por Colomo, y con la actriz Verónica Forqué, la cual ganó su primer Goya como Actriz Principal bajo la dirección de Fernando en La vida alegre.

Fue un acto fresco, ameno y divertido para dar paso a la proyección de La línea del cielo, una película del año 1983 que Colomo rodó en Nueva York con Antonio Resines como protagonista. Lo cierto es que no conocía este film y me sorprendió muy gratamente. Cuenta las peripecias de un fotógrafo español que se va a la Gran Manzana con la intención de trabajar para las grandes revistas. Fue una película realizada sin apenas medios y cinco páginas de guión. Tal como bromeaba el propio cineasta, en aquella época se hablaba mucho de producciones low-budget (bajo presupuesto) pero la suya era no-budget (sin presupuesto).

Lo que más me llamó la atención es su vigencia hoy en día. Las situaciones y diálogos del protagonista al relacionarse con otros españoles que llevan más tiempo en Nueva York, son extrapolables a lo que ocurre cuando uno se va a cualquier otro lugar y no solamente en aquella época sino también actualmente. Por tanto resulta muy cercana. Un retrato de Nueva York muy interesante, como una de Woody Allen a la española. Lo único que me pareció que no siempre encaja es la música. Corre a cargo de Manzanita y en algunos momentos queda bien para subrayar la presencia de un español en la "Ciudad que nunca duerme", pero de vez en cuando se echa en falta algún otro tipo de ambientación musical.

La elección de esta película para proyectarse en este homenaje fue del propio Colomo. Así transcurrió el reconocimiento a la carrera de uno de los representantes más importantes de la comedia española de las tres últimas décadas.