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domingo, 23 de febrero de 2014

Protegiendo el patrimonio de la Humanidad

Las sociedades pueden desaparecer, pero su cultura, sus obras artísticas, son su legado, el cual prevalece y da testimonio de lo que fueron a las generaciones venideras. Si no lo protegemos es como si estas sociedades del pasado, que son las raíces de presente, nunca hubieran existido. Con este espíritu es con el que a finales de la II Guerra Mundial, el ejército estadounidense reclutó un comando formado por expertos en arte para enviarlos tras las líneas enemigas con la misión de recuperar las obras artísticas que los nazis robaron de los territorios ocupados. Este grupo de protectores del legado cultural de la humanidad fueron conocidos como los Monuments Men, y con este título George Clooney nos cuenta en su nueva película esta fascinante historia.

Clooney coescribe el guión, coproduce, dirige y protagoniza la película a la que otorga un tono amable y una ambientación de corte clásico, un estilo que ya experimentó con Ella es el partido. Le acompañan en la aventura un elenco de actores fantásticos: Matt Damon, habitual colega de Clooney, los veteranos Bill Murray, Bob Balaban y John Goodman, el protagonista de The Artist Jean Dujardin, el británico Hugh Bonneville, protagonista de la exitosa serie de televisión Downton Abbey, y el toque femenino lo aporta la gran Cate Blanchett, nominada este año a los Oscar por Blue Jasmine.

El trabajo de producción es impecable, con gran atención al detalle tanto para recrear los escenarios donde transcurre la acción como para ensalzar la belleza de las obras de arte. Se nota la implicación personal de Clooney por homenajear la cultura europea y los hombres que lucharon por preservarla en un momento de la historia crítico para su supervivencia.

Sin embargo a la cinta le falta algo de garra para ser una película redonda. Tanta pasión de su autor por tratar un tema en sí mismo apasionante, parece que nos podría crear la expectación de ver un film con una carga emocional algo más vibrante. Quizá el problema estribe en que se ha decantado por un tratamiento más testimonial de lo ocurrido en detrimento de un trazado de personajes que se antoja algo superficial. Es decir, que ha primado la historia por encima de las relaciones humanas entre los personajes.

No obstante The Monuments Men es una notable y agradable película que pone sobre la mesa un debate interesante sobre la importancia de las raíces culturales para la pervivencia de las sociedades. Todo ello aderezado con una puesta en escena clásica, una adecuada partitura musical a cargo de Alexandre Desplat y un acertado grupo de actores.


Leer critica The Monuments Men en Muchocine.net

domingo, 16 de febrero de 2014

Dos personalidades complejas

En torno a 20 años estuvo Walt Disney persiguiendo a Pamela Travers, la autora de Mary Poppins, con el propósito de que le concediera los derechos para llevar su obra a la gran pantalla. Toda una obsesión del señor Disney, de quien siempre han circulado rumores y leyendas urbanas. Una personalidad controvertida, sin duda alguna. Pero no menos obstinada resultaba la señorita Travers, de origen australiano pero afincada en Londres, que actúa como la más estirada, snob y flemática británica.

El encuentro entre estos dos genios del entretenimiento sería como la colisión frontal de dos meteoritos. El contraste del barroquismo edulcorado y frívolo típico americano frente al realismo sobrio, frío y serio británico es algo que se antoja cuanto menos curioso e interesante. Esto es lo que nos cuenta Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks), la nueva película de John Lee Hancock, director de The blind side.

Tom Hanks y Emma Thompson dan lo mejor de sí mismos en unas interpretaciones memorables metiéndose en la piel de Disney y Travers respectivamente. Espléndidos trabajos que no desmerecen en absoluto a un estupendo elenco de secundarios, entre los que destacan Paul Giamatti y Colin Farrell. El primero en el rol del chófer de los estudios Disney que se encarga de llevar a la escritora de un sitio a otro durante su estancia en California. Se establece entre ellos una relación de amistad parecida a la de Paseando a miss Daisy. Por otra parte Farrell sorprende con su interpretación del padre de Pamela Travers en los flashbacks que reconstruyen la dura infancia de la escritora en Australia a principios del siglo XX. Mención especial merece también la buena química que se da entre los tres colaboradores de Disney que trabajan en equipo con Pamela para pulir el guión de Mary Poppins, y a la que tienen que convencer de que los números musicales son importantes para la película. Este trío de creativos están interpretados por Bradley Whitford, B.J. Novak y Jason Schwartzman.

La música del film es emocional y evocadora, con versiones para piano de las míticas canciones de Mary Poppins. Especialmente la versión de Chim chim cher-ee resulta muy sentimental a la par que nostálgica. La partitura corre a cargo de Thomas Newman, compositor también de las recientes Skyfall o La Dama de Hierro.

La película resulta tan mágica como aquella de la que habla, aunque en este caso se trata de una magia para adultos. El film no es infantil en absoluto. El trato de la infancia de Pamela Travers es duro pero no descarnado. Guarda un perfecto equilibrio entre el acabado formal de la película, que no hiere sensibilidades, y
el trasfondo trágico que se hace notar, no se oculta pero tampoco se regodea en ello. El tratamiento del director considero que es muy respetuoso con los personajes que está retratando.

En definitiva es una gran película que maneja muy bien las relaciones humanas, con magníficas interpretaciones de los actores y un tono muy equilibrado entre el drama, la comedia, la ilusión, la melancolía y la nostalgia.


Leer critica Al encuentro de Mr. Banks en Muchocine.net

domingo, 9 de febrero de 2014

Gala 2014 de las Medallas del CEC



El pasado 2 de febrero tuvo lugar en el cine Palafox de Madrid la gala anual de entrega de Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC), los premios de cine español más veteranos. Este año estuvieron muy repartidos, en un evento presentado por la actriz Lydia San José y el dibujante Paco Sáez.

La ganadora ha sido Vivir es fácil con los ojos cerrados, de David Trueba, con 3 galardones: Mejor Actriz Revelación, Guión Original y Película. Empata en número de Medallas Stockholm, que se alzó con los premios a Director Revelación, Actor Revelación y Mejor Actriz.

Sin embargo el máximo número de medallas ha sido para Caníbal, de Manuel Martín Cuenca, vencedora en 4 categorías: Mejor Actor (Antonio de la Torre), Director, Guión Adaptado y Fotografía. Por otra parte Grand piano saldó la noche con 2 premios: Mejor Música y Montaje. Con una sola medalla fueron reconocidas Alacrán enamorado y Las brujas de Zugarramurdi, en las categorías de Mejor Actor Secundario (Carlos Bardem) y Mejor Actriz Secundaria (Terele Pávez) respectivamente. Las películas premiadas en las categorías de Documental, Animación y Película extranjera, han sido respectivamente Guadalquivir, Justin y la espada del Valor, y Gravity.

Finalmente los premios de reconocimiento a una trayectoria profesional, en los que no se compite sino que se otorgan a una persona en concreto por su aportación a la industria cinematográfica, se han concedido este año de la siguiente manera:

- Medalla a la labor literaria y periodística para Carlos F. Heredero, historiador y crítico de cine, director de la revista Caimán. Cuadernos de Cine.

- Medalla a la labor de promoción del cine para Enrique González Macho, actual presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Principal impulsor de la distribución de cine en versión original.

- Medalla de Honor para la actriz y cantante Ana Belén.

Tras la gala se proyectó en primicia la película francesa Guilaume y los chicos ¡a la mesa!, que se estrenará el próximo mes de marzo y de la que daré cuenta en este blog más adelante. El preestreno contó con la presencia de su artífice Guillaume Gallienne para presentar la película.

Este es el vídeo de la gala:


domingo, 2 de febrero de 2014

La trilogía del dólar: una fábrica de sueños en España


En 1964 se estrenaba la película Por un puñado de dólares. Eso significa que este año se cumple el 50º aniversario, pero no se trata sólo de la conmemoración de un film. Fue el inicio de un cambio de vida para muchas personas.

Para empezar fue la consagración como astro del celuloide de Clint Eastwood. Había hecho alguna película y sobre todo televisión en Estados Unidos, pero no acaba de despegar su carrera. Tras protagonizar las películas de Sergio Leone Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo, regresó a Hollywood convertido en estrella internacional y desde entonces no ha dejado de ser uno de los grandes, generando una prolífica carrera tanto como actor como director.

Sin embargo cuando hablo de las vidas de mucha gente estoy hablando de españoles. Cuando pocos eran los que sabían buscar Almería en un mapa, llegó allí el director italiano Sergio Leone buscando un lugar donde los paisajes le sirvieran para rodar un western y los costes de producción fueran muy bajos. Con el éxito cosechado por la tres películas antes mencionadas, que constituyen lo que se conoce como la "trilogía del dólar", se montó toda una industria cinematográfica de coproducciones hispano-italianas para rodar películas del oeste bajo la denominación de "spaghetti-western". Muchos almerienses cambiaron de oficio y empezaron a trabajar en el cine como figurantes, especialistas, ayudantes de producción, chóferes de las estrellas y demás tareas. Durante varios años los dólares fluían por el sur de España, hasta que los costes de producción dejaron de ser rentables para el tipo de películas que se hacían. Una época dorada que muchos recuerdan con nostalgia y que marcó sus vidas para siempre. Los testimonios de algunas de estas personas se recogen en el emotivo documental de Antonio Lobo titulado Por un puñado de sueños, estrenado en 2006.

En 1972 Pedro Lazaga dirigía a Alfredo Landa, José Sacristán, Antonio Ferrandis y Mirta Miller, entre otros, en la película Vente a ligar al oeste, en la que se reflejaba precisamente ese momento. Por otra parte, en 2002, la decadencia de aquel universo de cartón piedra se ha tratado en el homenaje rendido por Alex de la Iglesia en 800 balas, en la que un nostálgico especialista de escenas de acción comanda un show del oeste en el último bastión de un poblado que guarda las sombras de los pasados días de gloria. Un personaje muy jugoso magníficamente interpretado por Sancho Gracia.

Por último sólo resta hacer una breve reseña de esas tres películas que construyeron una fábrica de sueños en España:

1. Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964). Un pistolero llega a un pueblo regentado por dos familias de traficantes rivales. Una situación propicia para ganar dinero pero con un alto riesgo. Era un remake de Yojimbo, un film japonés de Akira Kurosawa. De hecho el director nipón demandó a Leone por plagio. No obstante el concepto de western propuesto por Leone, alejado de los clásicos de Hollywood, fue tan rompedor e innovador que marcó tendencia y estilo consiguiendo dejar huella en la historia del cine.

2. La muerte tenía un precio (Per qualche dollare in piu, 1965). Dos cazarrecompensas se alían para capturar un peligroso delincuente. Repite como villano Gian María Volonté y se incorpora al elenco Lee Van Cleef para secundar a Clint Eastwood. La trama es más compleja y el estilo propuesto en el anterior film se va depurando.

3. El bueno, el feo y el malo (Il bueno, il bruto e il cativo, 1966). Tres buscadores de fortuna persiguen un tesoro escondido durante la guerra de Secesión. A Eastwood y Van Cleef se une ahora Eli Walach. La música de Ennio Morricone, en la misma línea que las dos películas anteriores, se convierte en mítica. Una obra maestra.